sábado, 13 de febrero de 2010

J.J. Lorenzo, diseñador de Peletería en la Pasarela Cibeles Madrid Fashion Week



Julia Sáez-Angulo

Ha participado recientemente en el Salón Internacional de Peletería en Madrid, SIMM, y va a participar con sus diseños de moda en la Pasarela Cibeles Madrid Fashion Week, que comienza el próximo 23 de febrero. José Jesús Lorenzo lleva a cabo una actividad frenética como creador, diseñador y hombre de empresa.

El leit motiv de la colección que presenta recae en dos ejes. El principal, el “luxury style”: la sofistificación y el glamour ha caracterizado universalmente a la piel como estrella protagonista, por ello, esta colección es un homenaje al lujo y la elegancia. Y, en segundo lugar, otro eje que forma parte ya del branding de Groenlandia, el “street luxury”: el consumidor, harto del mercado masivo, quiere diferenciarse y autoconferirse con la personalidad de innovadores diseños que hacen un uso funcional y cotidiano de la piel. Todos los días son una oportunidad para generar lujo en la calle.

La colección está estructurada con favorecedoras asimetrías: sofisticadas prendas con escotes asimétricos, cuellos cráteres y hombros marcados. Se crean audaces maridajes de texturas y volúmenes: desde chalecos con cremalleras que se visten de lujo y engalanan con sus exquisitas pieles, hasta túnicas-kimono envolventes, pasando por prendas cortas muy favorecedoras.

Además, el peso de la colección recae en materiales de alta calidad: visones americanos, martas, gatos linces, chinchillas y breitschwanzs. Para el lujo cotidiano, Groenlandia propone un producto made in Spain: cordero español, considerado por los expertos el mejor del mercado internacional.

En cuanto al colorido, el peso hegemónico del elegante y distinguido visón black, visones despinzados y anteados en rojo reversible, y, finalmente, colores eléctricos que dan luminosidad a las prendas: desde degradés en tonos desierto, el rosa palo, martas en color turquesa, chinchillas grises… hasta prendas reversibles en pyton, tonos Dakar o sambesi.

Un artista precoz en el dibujo

José Jesús Lorenzo Vázquez (Cieza. Murcia), comenzó muy pronto a dibujar al carboncillo en la Escuela de Bellas Artes de su localidad natal. Fue alumno del escultor Juan Solano y del pintor Lázaro Martín Iniesta. Con diez años, se traslada a la ciudad de Zaragoza, donde acude a la Escuela de Bellas Artes. En los veranos, realiza cursos de diseño de moda en escuelas privadas que más tarde aplica a la Peletería. Ha estudiado Derecho y es accionista de varias empresas que él ha creado dentro del mundo de la Peletería, donde dedica a diseñar moda. Ha colaborado en lanzamiento internacional de varios artistas españoles.

El diseñador habla de su colección en Cibeles:

-Representa el estrecho vínculo que existe en el momento de concebir una prenda con el de crear una obra de Arte. El arte en peletería queda simbolizado en varias prendas pintadas al óleo, como si de lienzos se trataran, que realzan la escultura de la figura humana”.

-¿Qué definicion de la moda le convence?


-Es un fenómeno social colectivo que retrata a una sociedad. Surge de la vida misma como medio de expresión y comunicación. Es decir, todo comunica: y una sociedad se está comunicando cuando se viste. Coco Chanel también decía que lo que hoy es moda pasará de moda.

La piel como seguidora de los diseños o modelajes de los modistas, tiene que adaptarse a la moda por razones obvias. Por tanto, la peletería debe ir acorde con las tendencias.

Nati Cañada, Carmen Lomana, Marisa Berenson

-¿Que mujeres lucen pieles con elegancia?

- Lució Rita Hayworth, Lauren Bacall, la primera luciendo visones wild y la segunda visones black. Actualmente, Cindy Crawford, Jennifer Lopez, Carmen Lomana, Marisa Berenson, Nati Cañada y otras celebridades.

-Pero la piel tiene sus detractores

- Lo cierto es que detrás de ciertas actitudes en contra de la piel, se esconden lobbies con grandes intereses económicos. Como se sabe, muchos compuestos textiles son derivados del petróleo, por lo que resulta más fácil cargar contra el sector de la piel, que crea muchos puestos de trabajo directos e indirectos. Resulta, además, paradójico ya que la piel es un producto natural sostenible, que no daña al medioambiente y que, asimismo, se recicla. Fíjese en abrigos de señoras mayores que ahora se adaptan para sus nietas y duran generaciones. Como digo, es un producto sostenible, aunque para ello está la libre elección del consumidor: si tras tantas polémicas se sigue consumiendo piel en zapatos, bolsos, abrigos y cazadoras, será porque tanta gente no puede estar equivocada.

-La piel ¿solo tiene dos estaciones?

-El tema de la estacionalidad es vital para la piel. Es cierto que resultan excepcionalmente prácticas en otoño e invierno, pero también existen pieles despinzadas, cueros muy flexibles y delgados para la primavera. Al ser un producto que transpira, no como los acrílicos, se hace más versátil.

Pieles para las celebridades

-¿Qué diseño en piel le dejó más admirado?

-El diseño que más me asombró fue de Christian Dior en los años 1972 – 1974 con unos vestidos de Astrakan SWAKARA extraplanos en tonalidad negra, adaptando las pieles al cuerpo como si fuesen tela. El curtidor fue de CIPEL, que es mi curtidor. Innovaron y hay que aplaudir las ideas que ayudan al progreso.

-Hábleme de maestros en diseño y confección de pieles

-El maestro, es el que deja su impronta y huella en la persona. En este caso Gabriel Morales, mi padre político, fue quien me enseñó. Fue un gran maestro que nos educó a amar la profesión y no el negocio (aunque ambos van juntos).

-Usted es pintor, diseñador, empresario... ¿Cómo lo hace?

-Compagino mis tres profesiones: cortador, diseñador y pintor, sacrificando otras circunstancias. A la pintura le dedico los fines de semana y días festivos, dependiendo de la coyuntura, puedo dedicarle desde 3-4 horas en momentos valle hasta 12-14 en momentos pico. Es algo que realmente me entusiasma y se me pasan las horas. Con respecto a mi otra gran pasión, el diseño, todos los días destino dos horas en equipo (Mª Pilar, mi mujer, Jesús Lorenzo, economista y diseñador formado en Copenhague, y yo). Los diseños los llevamos a las mesas de trabajo con nuestros colaboradores (cortadores, maquinistas, patronistas, etc.).

-¿Daría algún nombre de sus clientes más distinguidas?

-En nuestro sector es muy importante el secreto profesional y la confidencialidad. Pero de modo general, sí que puedo revelarle que contamos con muchas celebrities, personas relacionadas con el mundo de la televisión y medios de comunicación, personajes del ámbito del cine, también políticos y grandes directivos.

Una prenda en el Museo del Traje

-¿Qué prenda suya se encuentra en el Museo del Traje?

-Es un abrigo tipo túnica griega, realizado sobre piel de weassel blanco natural. Esta prenda pretende representar la simplicidad del inicio de la moda, con la que el ser humano muestra la belleza de su figura cubierta con un producto natural, como es la piel. La pintura sobre weassel evoca cómo surge la creación de la naturaleza y del color.

Así, la espalda simboliza la eclosión de la vida: del blanco van surgiendo los colores que representan la vida de la naturaleza, entre ellos los animales (se aprecia una serpiente, en la parte superior, en color azul). Los tonos amarillos de la espalda son el reflejo solar del amanecer viviente. Y, por el contrario, la parte inferior alude al campo (en tonos tierra), la vida y la naturaleza (en tonos verdes), y el sudor del hombre y el trabajo severo (en tonos rojos).

Por su parte, el delantero derecho simboliza el amanecer de la vida -con el sol en amarillo reflectante- y con la creación del agua –con el agua que brota en azul-. La parte inferior, en tonos verdes tierra -que evocan vida-, simbolizan el trabajo del hombre que está preparado para realizar su trabajo. En el centro de este delantero, se puede apreciar una escultórica “G”, símbolo de la firma “Peletería Groenlandia” para la que Jesús Lorenzo ha diseñado la colección de Cibeles Madrid Fashion Week 2009-10.

El delantero izquierdo evoca el sol de ocaso. Los colores de la tierra y el verde se van oscureciendo y van surgiendo los tonos malva y lilas como símbolo del atardecer. El rojo incrementa su tonalidad porque representa el agotamiento físico del hombre tras una jornada de trabajo profunda y bien hecha.

El abrigo, que pretende ser un holos (el todo es mayor que la suma de las partes), representa la totalidad del colorido que incluye la colección presentada en Cibeles.
-¿Los hombres son renuentes a las pieles?

Al hombre normalmente le gusta ser discreto y no le gusta aparentar, pero tiene otro orgullo llevar gabardinas o abrigos forrados de piel de visón despinzado, presumir de relojes y de coches.

Normalmente en los países más cálidos: España, Portugal, Francia, Italia, se usa Astrakan Swakara que aparenta una presencia de muaré por su dibujo. Pero países como EE.UU., Canadá, Rusia, Suecia, Alemania, etc., el hombre utiliza pieles como visón, marmota (racoom americano), castor (despinzado y natural), nutria despinzada, lobo, etc.

En EE.UU., Rusia, Canadá, Suecia, etc., el hombre se pone piel porque es lo que más abriga y le es más rentable. En estos países la gente es práctica y sus vehículos privados los emplean por necesidad.En otros países como Alemania, Suiza, Holanda, Dinamarca, etc., los hombres con más capacidad económica se ponen la prenda de piel.
El personaje que más elegantemente he visto llevar una prenda de piel en dos ocasiones es a Bill Clinton, la primera, en Washington con abrigo de lomos de visón black natural y la segunda en Búfalo con un 7/8 de lobo canadiense o americano. Tenía clase.

He visto fotografías del gran tenor Miguel Fleta, en las que lucía un abrigo de castor despinzado con cuello de lomos de visón. Era genial como cantante.

-¿Cuándo expone su pintura de caballete?

-Como pintor, la última exposición colectiva la he realizado en la Galería Paz Feliz. Actualmente estoy preparando cuadros de grandes dimensiones y quiero mezclar la pintura con la peletería, ya que considero a la peletería como un arte a la vez que es una artesanía.

Diccionario de Las tres Religiones: Judaísmo, Cristianismo, Islam



Diccionario de Las tres Religiones
Judaísmo, Cristianismo, Islam
Xabier Picaza y Abdelmunin Aya
Editorial Verbo Divino
Estella (Navarra) 2010 (1237 pags)



Julia Sáez-Angulo

Son tres religiones monoteístas que nacieron en la misma área geográfica, Oriente Medio, con un mismo “padre” Abraham, pero con tres profetas o fundadores diferentes. Siguiendo el orden cronológico de su aparición: Moisés, Jesucristo y Mahoma. Una diferencia quizás notable entre ellos, Cristo se presenta como Hijo de Dios, es decir como Dios mismo, ya que para ser iglesia cristiana hay que reconocer la divinidad de Jesús de Nazaret, el Cristo ungido. A las iglesias que no profesan esta fe no se las considera cristianas en sentido estricto (véase testigos de Jehová o mormones, por ejemplo).

El Diccionario de Las tres Religiones. Judaísmo, Cristianismo, Islam, escrito por Xabier Pikaza y Abdelmunin Aya y publicado por la Editorial Verbo Divino, es una obra científica, ambiciosa, bien hecha en la que se da cuenta de los contenidos y verdades asumidas por los creyentes de cada una de las tres religiones monoteístas que parten de un mismo tronco.

Un libro conveniente de consulta para todos aquellos interesados en el conocimiento y la precisión de los conceptos y términos utilizados por cada una de las tres creencias citadas, a diferencia de las religiones orientales –hinduismo, budismo y taoísmo- que afectan al interior de la conciencia humana más que a un sentido trascendente.


Dos profesores autores y dos colaboradores

Los autores del Diccionario son Xavier Pikaza Ibarrondo (Orozco, Vizcaya, 1941), profesor de Biblia (Judaísmo y Cristianismo) en la Universidad de Salamanca y Abdelmunin Aya (Sevilla, 1962), doctor en filosofía y especialista en cultura islámica, además de traductor de poesía japonesa. Ambos cuentan con la colaboración de José F. Durán Velasco (Filología árabe) y Yaratullah Monturiol (islamóloga). Sorprende que no haya un autor o colaborador hebreo, si bien Pikaza asume seguramente la parte judía y cristiana.

Las tres religiones han estado vinculadas históricamente en Occidente, lo que viene a indicar la necesidad de conocimiento de ellas para una mejor comprensión de los avatares del pasado y la azarosa convivencia de las distintas sociedades, casi siempre con hegemonías de una sobre otras.

La Introducción del libro recuerda que el Diccionario tiene dieciséis características, referidas a religiones: monoteístas, abrahámicas, proféticas, creacionistas, personalistas, históricas; con tres profetas muy concretos; religiones del Libro, centradas en la fe; es un Diccionario teológico, de las comunidades creyentes, ante la experiencia orante de sus fieles; Diccionario universitario e hispano, un diccionario razonado con bibliografía.

Diccionario para creyentes y laicistas

Un Diccionario temático con bloques principales que clarifican la terminología, que estudia los lugares o geografía sagrada, la posición de las mujeres, la antropología básica y decisiva, los ángeles y demonios; los profetas y libros sagrados; los dogmas y creencias; la ética y la conducta; la espiritualidad y la devoción; la iglesia y las formas de vida; las instituciones sagradas; los ritos y sacramentos; la razón y la filosofía; la teología y religión; el compromiso social y las sanciones o escatología que entrañan.

Una obra espléndida y rigurosa, tras la que se adivina un largo trabajo de estudio, investigación y sistematización. Empieza con la palabra “Abluciones” y termina con la palabra “Zimzum”. En este Diccionario de las Tres Religiones, podremos enterarnos de los contenidos de las fiestas clave de las tres creencias o apreciar el significado preciso de un término religioso.

Muy útil para los creyente y más para los laicos, sobre todo los laicistas beligerantes que abundan e ignoran los conocimientos mínimos de la Antropología que muestra al hombre como ser creyente y olvidan el origen divino de su conciencia, avasallándolo con frecuencia en sus manifestaciones. En suma, un Diccionario básico para Europa y sus habitantes que prescinde paulatinamente de sus propias raíces religiosas en sus normas de Constitución y de vida, por imposición de unos nuevos “creyentes”, los laicistas, con su demonización, persecución o desentendimiento correspondiente ante la persecución de los hombres por su condición religiosa, como sucede en Etiopía por ejemplo. Los laicistas también cuentan con sus “profetas”, vivos en este caso. Benedicto XVI apuntó por aquí en sus viajes a los países islámicos.






viernes, 12 de febrero de 2010

Blanca Muñoz, Exposición de joyas escultóricas en Grassy

Joyas de Blanca Muñoz
Goyería Grassy.
Gran Vía, 1. Madrid
Del 12 de febrero al 23 de abril





Julia Sáez-Angulo

La escultora Blanca Muñoz y la madrileña joyería Grassy han llevado a cabo un proyecto de colaboración para que la primera diseñe una serie de joyas para el establecimeinto. Tras un trabajo de tres años, la exposición de joyas de Blanca Muñoz en la sede de Grassy, se ha inaugurado con la asistencia de numerosos coleccionistas, artistas y escritores.

La arquitecta Patricia Reznak es la curadora de la muestra y escritora del texto del catálogo donde reflexiona sobre las piezas de la artista. Francisco y Carlos Pacheco, junto a Francisco Cuadrado y José Adrados han colaborado en la realización y orfebrería de las piezas.

Las joyas de Muñoz se dividen en dos grupos: joyas dibujadas y esculturas joya. Las primeras “han sido pensadas en torno a unas piedras concretas, bien por su forma, su color o su talla. Los dibujos de Blanca Muñoz son el vínculo con el joyero”, señala Reznak.

En este grupo están las piezas Obispo, Cosmos, Tornado, Nebulosa o Gorguera. Las “esculturas joya” se generan cuando la artista descuelga una pieza de la pared o la levanta de una mesa y dice: “Esto puede ser un broche o un colgante, o la cuenta de un collar o el eslabón de una cadena, en fin, una joya, algo con que adornar un escote, un tocado, el lóbulo de la oreja, una forma de recogerse el pelo”. Sus nombres: Salomé, Maraña, Cadencia, Gordiana, Pandora…

Ampliar la concepción espacial

“No veo posible que no haya conexión entre cualquiera de mis creaciones artísticas. Creo que ya se vislumbra la adaptación de mi mundo escultórico al diseño de la joyería, que no ha hecho sino ampliar la concepción espacial que continuamente busco para configurar mi obra”, explica Blanca Muñoz.

Entre los asistentes al acto de inauguración se encontraban, entre otros, los escultores Héctor Delgado y Alberto Bañuelos. Este último será el que lleve a cabo una nueva serie de joyas para Grassy. El anterior artista fue Anthony Caro y algunas de sus piezas fueron adquiridas por museos de joyas.

Manifiesto de "España Vida Sí" para la Manifestación del 7 de Marzo

L.M.A.


El Manifiesto de la cultura pro Vida y anti Aborto para la manifestación del día 7 de marzo dice así:

"A día de hoy existe la evidencia científica de que desde el momento de la fecundación aparece una nueva vida humana. Así lo ha ratificado el Manifiesto de Madrid, presentado en marzo de 2009 y firmado por más de 3000 científicos españoles.

Ante esta certeza se puede afirmar que el aborto supone la muerte violenta de un ser humano y un terrible drama para la mujer que lo sufre.

El número de abortos practicados en España supera ya el millón, y sin embargo sigue sin ofrecerse ninguna información ni ayudas sociales a las mujeres embarazadas en situaciones difíciles, mientras que sí existe financiación para que vayan a abortar.

Ahora el Gobierno pretende aprobar una ley de plazos que deja completamente desprotegido al nuevo ser y abandona a la mujer ante sus problemas, empujándola al aborto. Por otra parte, considera a los enfermos y discapacitados como seres humanos de segunda categoría, permitiendo que puedan ser eliminados antes de nacer.

El proyecto de ley contempla también que las menores puedan abortar sin el consentimiento paterno, dejándolas solas e impidiendo a los padres ayudar a sus propias hijas ante la situación de un embarazo inesperado.

Asimismo la nueva ley pretende imponer un determinado tipo de educación sexual en los colegios, vulnerando así el derecho de los padres a educar a sus hijos según sus propias normas morales.

Con el aborto libre, el número de niños muertos aumentaría hasta casi el doble, así como el de mujeres que sufrirían los ya conocidos daños físicos y psicológicos que el aborto provoca en ellas.

La respuesta de la sociedad española ante este anuncio ha sido contundente: marchas, concentraciones y manifestaciones masivas a favor del derecho a la vida, encuestas claramente contrarias a la ley y diversos manifiestos firmados por millares de españoles que exigen la puesta en práctica de políticas favorables a la vida y a la maternidad.

Sin embargo, el Gobierno hace oídos sordos a este clamor social, y pretende seguir adelante con una ley que España no quiere.

Por todo ello, EXIGIMOS

Que el Gobierno escuche a la sociedad española y retire el proyecto de ley del aborto que pretende aprobar.

Que nuestros políticos promuevan leyes que protejan el derecho a vivir y el derecho a ser madre, amparando la vida en todo momento y ayudando a las mujeres embarazadas a superar cualquier problema que un embarazo imprevisto puede generarles.

Que se respete el derecho de los padres a formar a sus hijos en materia de educación sexual según sus propias convicciones.

Que se respete el derecho a la objeción de conciencia del personal sanitario para que pueda cumplir su compromiso de defender y cuidar la vida y la salud desde el mismo instante de la concepción.

Everstill / Siempretodavía, Presentación del Libro-Catálogo en el Museo de García Lorca

L.M.D.


La Fundación Federico García Lorca y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), bajo la coordinación del Ministerio de Cultura, presentan el libro-catálogo editado con motivo de la exposición everstill/siempretodavía, comisariada por Hans Ulrich Obrist (Zurich, 1968), que se celebró en la Huerta de San Vicente, Casa-Museo Federico García Lorca, en Granada en 2007/2008. La Residencia de Estudiantes, que colabora en la presentación de este catálogo, acogerá el acto el próximo martes 17 de febrero a las 19h en su salón de actos (calle Pinar,23).


Hans Ulrich Obrist, co-director de Exposiciones y Programas, y director de Proyectos Internacionales de la Serpentine Gallery de Londres, presentará, el libro everstill/siempretodavía, la que fue su primera exposición en España. La muestra, organizada por la Fundación Federico García Lorca y la SECC, que reunió a más de una treintena de artistas nacionales e internacionales, se inscribe en una serie de exposiciones que este comisario ha llevado a cabo en casas de personalidades diversas del mundo de la cultura, como la del arquitecto Luis Barragán, en México D.F.; la del filósofo Friedrich Nietszche, en Sils Maria o la del arquitecto Sir John Soane, en Londres.


El proyecto everstill/siempretodavía consistió en que cada uno de los artistas invitados, visitó la casa del poeta en Granada y realizó una obra “in situ”. El libro-catálogo, que se presenta ahora, contiene una extensa documentación gráfica de la muestra: la casa, el montaje, los artistas, correspondencia, etc. El comisario de la exposición, Hans Ulrich Obrist, ha realizado entrevistas con algunos de los artistas participantes en la exposición a su paso por Granada y que se publican en este libro por primera vez.

Para la presentación del libro el 17 de febrero se contará con la presencia de algunos de los participantes en la exposición. El novelista neoyorkino Frederic Tuten hará una lectura de un extracto del relato inspirado en Lorca titulado “The Park in Summer”; el poeta John Giorno hará una “performance” inédita llamada “Lorca, please help me”, y el cineasta Pere Portabella, presentará su película “Mudanza”, rodada en la Casa-Museo Federico García Lorca, con motivo de la exposición.

En este extracto del texto de Hans Ulrich Obrist para el catálogo, se explican brevemente las obras realizadas para el proyecto everstill/siempretodavía: “Una música concebida especialmente por Enrique Morente se hace presente en todos los rincones de la Huerta de San Vicente para recordarnos que por sus habitaciones anduvo Lorca. John Armleder proyecta una película hecha a partir de diferentes manuscritos en una habitación vacía de la casa. Un diminuto teatro de títeres, ideado por los artistas David Bestué y Marc Vives, representa una obra basada en “El maleficio de la mariposa” bajo la cama de Federico García Lorca, cubierta a su vez por una colcha bordada por Rivane Neuenschwander.

En el mismo dormitorio se encuentran la foto “In Bed with Lorca” de Gilbert & George; dos perulas, una original y una réplica exacta de la misma, obra de Roni Horn, y una máquina de escribir que sólo marca ceros y unos con la que Rivane Neuenschwander evoca el “Diálogo mudo de los cartujos” de Federico García Lorca. Frente a esta habitación, Cristina Iglesias entreabre un pasadizo hacia los sueños del poeta, sobre su superficie las interminables líneas de texto se han transformado en un camino vegetal. En el cuarto de baño de la casa, Cerith Wyn Evans proyecta un vídeo de pequeño formato que muestra un fuego artificial hecho de versos que había tenido lugar en una exposición en el MUSAC de León simultánea a la primera fase de everstill. Edi Rama, artista y alcalde de Tirana, mezcla sus dibujos con los de García Lorca en la sala de la exposición permanente de la Huerta de San Vicente y Paul Chan concibe tres collages a modo de notas a pie de página de la obra del escritor.

Con la foto instalada en la escalera, “Sin título (colta por corta, er cormo por el colmo, le ponga por reponga e ilme por irme)” —un juego con palabras que Lorca y sus amigos usaban para imitar la pronunciación de uno de los miembros del grupo—, Anri Sala alude a la incoherencia entre la vida y la muerte de Lorca, mientras que Philippe Parreno, al pintar las rejas de la casa de su color original y dejar la huella de vaho permanente en la ventana, devuelve la casa al tiempo en el que fue habitada por el poeta y su familia.

Dibujo de Cy Twombly, "Verde que te quiero verde"

El dibujo de Cy Twombly de 1965 con los versos “Verde que te quiero verde. Verde viento” recibe al visitante en el comedor de la casa. En esta obra, al igual que en la de Lorca, los contrarios se funden entre una violencia y armonía de gran belleza. Sobre el aparador se deposita cada día la nueva tarjeta postal que Tacita Dean envía a lo largo de los ocho meses que ha durado la exposición, y donde Franz West exhibe su escultura “El Inconsciente”.

En la covacha, el lugar más secreto de la casa, la obra de Koo Jeong-A despide un olor fuerte a naftalina. Dominique Gonzalez-Foerster cubre la habitación del piano con su obra “Blue Carpet”, una biblioteca de 270 libros relacionados con la vida y la obra de Lorca desplegada en el suelo. El sutil llanto de “Fever”, la escultura-caja de música de Arto Lindsay, llena esa misma estancia sobre cuya pared cuelga un cuadro de Sarah Morris que representa el suelo del dormitorio del escritor.

Pedro Reyes se inspira en versos de Lorca que contienen la palabra “agua” al realizar los ocho botijos de barro que llenan la alacena de la cocina. Sobre la mesa de la misma, Rivane Neuenschwander coloca un frutero de limones y naranjas secos en los que figuran grabadas las letras de un abecedario procedentes de un dibujo de García Lorca. También “Nocturno esquemático”, un dado que ha perdido sus puntos, se basa directamente en los dibujos del poeta.

El proyecto everstill, título de Douglas Gordon, ha durado nueve meses, a lo largo de los cuales se han realizado lecturas, como las de Enrique Vila-Matas y John Giorno en la inauguración de la primera fase en noviembre de 2007 y las de James Fenton y Frederic Tuten en mayo de 2008. Otros artistas han preferido prescindir de la casa, como Trisha Donnelly, quien ha realizado una actuación en el teatro del Alhambra Palace, lugar donde Lorca recitó en varias ocasiones poemas y conferencias, o como el colectivo Democracia, que ha llevado a cabo una acción de carácter político con la colaboración del periódico local Ideal. El argentino Jorge Macchi, basándose en la colección de obras completas editada por la Huerta de San Vicente, ha editado un libro en el que el texto periodístico que dio origen a “Bodas de sangre” se entremezcla con el texto periodístico que informa sobre su fusilamiento.

Por último, el cineasta Pere Portabella ha realizado la película “Mudanza”, cuya acción consiste en el vaciado de la casa de todos los muebles y objetos, no dejando más que sus muros. Esta película se ha podido contemplar durante los diez últimos días de la exposición en un cine de madera construido en el jardín mientras la Huerta de San Vicente permanecía vacía.”

La Fundación Federico García Lorca tiene como fin fundacional el de promover el estudio, la conservación y la difusión de la obra del poeta, además de apoyar todas aquéllas manifestaciones artísticas y culturales con las que pueda relacionársele, bien por la influencia que tuvieran en su propia vida y obra, bien por la que hubiesen recibido de él.

La Huerta de San Vicente fue la casa de veraneo, a las afueras de Granada, de la familia García Lorca desde 1926 hasta el comienzo de la Guerra Civil española. Esta casa ha sido restaurada y es ahora un centro cultural y un museo en el que los visitantes pueden ver manuscritos, libros, dibujos y fotografías originales, en el entorno que inspiró al poeta y que fue su lugar de creación, el sitio donde escribió parte del Romancero gitano, Así que pasen cinco años, Yerma, Bodas de sangre, y El diván del Tamarit. La casa conserva los suelos originales, muebles, utensilios y elementos decorativos, así como obras de arte pertenecientes a la familia y pinturas y dibujos del propio poeta y de contemporáneos suyos como Salvador Dalí, Manuel Ángeles Ortiz o Rafael Alberti.

jueves, 11 de febrero de 2010

Jenaro Talens, poeta en “El bosque dividido en islas pocas”

“Jenaro Talens. El bosque dividido en islas pocas”
Antología Poética (1960 – 2008)
Selección y Prólogo de Antonio Méndez Rubio
Círculo de lectores/Galaxia Gutenberg
Barcelona, 2010 (360 pags, 26 Euros)




Julia Sáez-Angulo

“Las antologías son del antólogo y, en este caso, de Antonio Méndez Rubio que para mi bien no me ha permitido sugerir ni aconsejar selección alguna de mi poesía. Ni él ni Nicanor Vélez, director de la colección”, dijo Jenaro Talens en la presentación del libro “Jenaro Talens. El bosque dividido en islas pocas”. “Hay que distinguir al escritor del lector”, añadió

“Unos críticos me califican de metafísico, otros de vanguardista… Me interesan las vanguardias como cualquier otro período de la tradición poética”, declaró Jenaro Talens (Tarifa, Cádiz, 1946).

Nicanor Vélez, que calificó a Talens como “poeta notable de la lírica española”, recordó que la colección de Galaxia Gutenberg tenía como objetivo publicar a los grandes poetas del siglo XX: José Miguel Ullán, Olvido García Valdés, Cesar Antonio Molina… y seguirá Clara Janés.

Resistencia e insurrección serían los dos términos clave para definir la poesía de Talens, ya que cuestiona el poder allí de donde proceda. Es un escritor que dice: “amo la palabra/ porque me ayuda a construir/ los límites del silencio”.

Una modernidad repensada en la obra del poeta

Méndez Rubio señaló que la poesía de Talens está abierta a distintas lecturas. Su verso viene de la tradición de los clásicos del Siglo de Oro, Góngora, Fray Luis de León, San Juan de la Cruz, junto a una apuesta más moderna, de una modernidad repensada. En su obra tiene sus raíces en la soledad y la exploración del otro; hay una errancia y extranjería asumidas; una explosión de la conciencia de la sociedad, desde el principio inquietante por la presencia del otro, del tú, de la alteridad.

La obra de Talens tiene “momentos filosóficos de encuentro entre las palabras del cuerpo y el cuerpo de las palabras que se encuentran con la sorpresa. En su obra vuelve la poesía con sensación de novedad.”

Jenaro Talens declaró que ha leído a surrealistas y dadaistas, pero le han interesado más los clásicos como Becquer, Góngora y san Juan de la Cruz, este último por “su elevado decir con palabras sencillas”.

“Aprendo lo que quiero decir cuando lo he dicho”, declaró el poeta gaditano en otro momento. “Me siento más representado en mi relación del mundo con lo cotidiano que con los fuegos de artificio que, en buenas medida fueron las vanguardias”

“Pensar y sentir se ven como cosas distintas en español, algo que no sucede en la tradición anglosajona”, dijo Talens, que como escritor quiere “.desbrozar el caos, lo que no quiere decir que haya un solo camino”.

Mercedes Salisachs y otros intelectuales piden al Rey de España que no sancione la ley del Aborto




L.M.D.

Los apoyos ciudadanos a la petición al Rey para que no sancione con su firma la nueva Ley del Aborto han llegado ya a la cifra de 50.000. Un éxito rotundo avalado también por numerosas personalidades como Francisco José Alcaraz, Pío Moa, Eduardo Hertfelder, Francisco Caja, Rafael Llorente Martín, Eulogio López o Mercedes Salisachs, que han querido adherirse de forma pública a esta campaña. Las previsiones que manejaba Religionenlibertad.com se han visto superadas ampliamente por la acogida ciudadana sin precedentes de la primera iniciativa en España que apela directamente a Su Majestad el Rey.

Alejandro Campoy, portavoz de la campaña, solicita no obstante seguir apoyándola para intentar impedir, por todos los medios, que entre en vigor la nueva Ley del Aborto que se encuentra en estos momentos en trámite parlamentario: "Aunque estamos positivamente sorprendidos por haber conseguido tan rápido 50.000 apoyos, es necesario seguir aunando peticiones para que, llegado el momento, Juan Carlos I compruebe de primera mano que hay cientos de miles de ciudadanos que no desean que sancione con su firma una Ley a todas luces injusta". Por ello, Campoy insta a todos los que ya han apoyado esta campaña que la hagan llegar la web de www.majestadnofirme.com a todos sus contactos para multiplicar su efecto e importancia.

Un grupo de teólogos considera que el monarca no debería firmar

Quien fuera durante muchos años catedrático de la Universidad Pontificia de Salamanca -quizás el teólogo de mayor relevancia de los que hoy se encuentran en España- y miembro de número de la Real Academia de Ciencias Morales y Politicas, Olegario González de Cardedal considera que «el Rey, como cualquier ciudadano, es sujeto de todos los derechos y libertades constitucionales. Su conciencia le permite entonces objetar y negarse a firmar una ley que se establece contra esos mismos derechos fundamentales».

De la Facultad de Teología de la Universidad de Navarra, José María Pardo, profesor de Teología Moral asegura que «en mí opinión ratificar una ley es dar su asentimiento y respaldo. Debería objetar».

Luis Joaquín Gómez Jaubert, defensor del vínculo de la diócesis de Tenerife, refuerza y mantiene la línea argumental de los otros especialistas consultados por ReL: «La ley civil no debería ejercer su efecto más que sobre acciones moralmente buenas en conformidad con la Ley Natural. Si los actos reconocidos son inmorales, la ley es injusta. Desobedecerla es legítimo, pero atendiendo a la gravedad del asunto cual es el aborto la desobediencia se convierte en obligatoria. En conciencia cualquier católico, rey o súbdito, está obligado a poner todos los obstáculos posibles a la aprobación de dicha ley».

Igual de firme se manifiesta el jesuita padre Jorge Loring, para el que no hay la menor duda de que «el Rey Juan Carlos no debería jamás ratificar la ley del aborto, una ley que atenta no sólo contra la moral, sino contra los propios derechos humanos defendidos y garantizados por la Constitución. Debería seguir el ejemplo de Balduino de Bélgica».

El teólogo y colaborador de Religionenlibertad.com, Alfonso García Nuño, ex profesor en la Universidad Católica de Ávila corrobora esta apreciación: «Por muy irresponsable que sea el Rey ante los tribunales, Juan Carlos de Borbón, el hombre, es un sujeto moral y, como tal, sus actos son morales. A esto no hace excepción ni la sanción ni la promulgación de una ley» asevera García Nuño.

Juan José Valero Álvarez, director del Instituto Teológico Monte Corbán y rector del Seminario Diocesano de Santander, considera que «el Rey no puede en conciencia firmar la Ley del Aborto, pues esta es contraria a toda moral y a los límites del derecho natural».



Mario García Torres expone dos instalaciones en las antiguas carboneras del Museo Reina Sofía



L.M.D.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta la exposición Mario García Torres, ¿Alguna vez has visto la nieve caer? Coincidiendo con la celebración de ARCO 2010, este año dedicado a Los Ángeles, el Museo ha organizado una exposición sobre este artista mexicano, quien en la actualidad vive y trabaja en esta ciudad norteamericana.

La exposición, la primera que una institución española le dedica a este artista, se ubica en las antiguas carboneras del edificio Sabatini, situadas en el sótano del Museo. El espacio, dividido en dos ambientes, sirve a García Torres para crear sendas instalaciones.

La pieza ¿Alguna vez has visto la nieve caer? 2010, creada expresamente para esta ocasión, consiste en una proyección de diapositivas, acompañadas de audio. La obra es tanto literaria como audiovisual, con ciertos ingredientes de ficción y de documental. La voz narrativa de la obra relata los acontecimientos que rodearon al mítico One Hotel de Kabul, que el artista italiano Alighiero e Boetti (Turín, 1940 - Roma 1994) regentó en la capital de Afganistán en la década de los 70.

Una historia de ficción a través de unos faxes

La otra instalación, Share-E-Nau Wondering- A Film Treatment (2006), consiste en una historia de ficción que García Torres narra a través de unos faxes. El artista se inventa una supuesta correspondencia con Boetti: “Yo voy a Kabul en busca del hotel de Boetti y en estos faxes narro todo lo que yo le voy contando: qué veo, por dónde voy y qué es lo que encuentro. Mi propósito es buscar el One Hotel, pero en mi búsqueda por Kabul, nunca lo encuentro.”

Mario García Torres ha sido galardonado con diferentes distinciones como el Cartier Award – Frieze Art Fair, 2007; las becas Fullbright, 2003-2005, o la PAEE –FONCA/CONACULTA, 2004. Recientemente, el artista ha expuesto su obra en el Jeu de Paume de Paris; en el Berkeley Museum of Art, California; en el CCA Wattis Institute for Contemporary Art de San Francisco; en la Kunsthalle de Zurich, Suiza; en el Cube Hoxton Square de Londres; en la Sora Gallery de Tokyo; en el Museum of Modern Art de Syros, Grecia y en el Stedelijk Museum de Amsterdam.

Thomas Schütte, Exposición retrospectiva en el Museo Reina Sofía

L.M.D.


Thomas Schütte. Retrospección, es el título de la exposición que se presenta en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía el próximo martes 16 de febrero a las 12:00 horas en el Salón de actos de Sabatini. El acto contará con la presencia del artista, el director del Museo, Manuel Borja-Villel, y la comisaria de la muestra, Lynne Cooke.

La exposición dedicada a Thomas Schütte (Oldenburg, Alemania, 1954) es la retrospectiva más completa organizada en España del artista y una de las más importantes que presenta el Museo este año. Recoge una singular y extensa visión de su obra que permitirá al visitante observar las constantes innovaciones del autor y su evolución a lo largo de treinta años de trabajo.

Se trata de hacer un recorrido por los diferentes momentos artísticos de Schütte, desde sus primeras obras realizadas a finales de la década de los setenta, cuando todavía era estudiante, hasta sus trabajos más recientes. La exposición se compone de instalaciones, acuarelas y aguafuertes, fotografías, maquetas arquitectónicas, y ejemplares de sus principales grupos escultóricos, como las series de «Mujeres» y «Perros».

Se han reunido alrededor de setenta y cinco obras cuyo grueso se exhibirán en la primera planta del edificio Sabatini. Pero además, las piezas de Thomas Schütte sobrepasarán las puertas de las salas de exposiciones y se mostrarán en diferentes lugares del Museo sorprendiendo al visitante: el jardín, el claustro, la guardarropía del antiguo Hospital o el Espacio Uno.

Uno de los más importantes de su generación

Thomas Schütte está considerado uno de los artistas alemanes más importantes de su generación. Estudió en la Kunstakademie de Düsseldorf desde 1973 a 1981 (primero con Fritz Schwegler, y a partir de 1975 con Gerhard Richter). Desde su primera muestra individual en 1979 ha desarrollado un extenso currículo expositivo. Aunque desde que empezó a exponer internacionalmente Schütte ha sido considerado ante todo escultor, sus primeros pasos los dio en el terreno pictórico.

Entre sus exposiciones más importantes destacan las celebradas en la Whitechapel Art Gallery, Londres, 1998; la Dia Art Foundation, Nueva York, 1998-1999, y la Haus der Kunst, Múnich, 2009. Su trabajo ha sido incluido en las Documentas 8 (1987), 9 (1992) y 10 (1997), así como en el 55º Carnegie International, Pittsburgh (2008) y en el Skulptur Projekte Münster de 1987 y 1997. Actualmente vive y trabaja en Düsseldorf.

Jaume Estartús, Presentación de su libro "Obra Completa" en Madrid



Estartús. Obra Completa
Alberto Bartolomé, Ubaldo serrano,
Julia Sáez-Angulo y Félix Rúiz de la Puerta
Victor i Fils Editores
Barcelona, 2010
(429 pags)




L.M.D.


      “Estartús. Obra completa” ha sido presentada en la galería Víctor i Fills de Madrid por el profesor Félix Ruiz de la Puerta y la critica de arte Julia Sáez-Angulo, en presencia del pintor.



      David Badía, director de Víctor y Fills en Madrid, abrió la presentación, que tuvo lugar en la inauguración de la uestra “Estructuras Neoinformalistas” en la misma galería. La exposición permanecerá abierta hasta el 27 de marzo. Al acto de inauguración acudieron, ademas de los prologuistas, numerosos escritores y artistas, entre otros Jorge Rando, Carmen Pallarés, Amparo Ayllón, Christian Prevost, Elisa Mancini, Eugenio López Berrón, Pilar Sagarra, Juan Miguel Guiralt, Yolanda Fernández, Víctor Badía; Hélène de Medem, condesa de Medem; Carmen G. Pando, Pepa Calvo, María Antonia Román Prado...



Julia Sáez-Angulo dijo en sus palabras de presentación del libro:



"Siempre es un acontecimiento presentar la Obra Completa de un autor. En este caso se trata de un pintor, Jaume Mestres Estartús, con la firma de Estartús para su obra plástica. Un total de 915 piezas que quedan inventariadas en este libro, con su ficha técnica de título, año de ejecución, medidas, técnica y material utilizado. Son por tanto obras fijas, identificadas y firmes en cuanto a su autenticidad. La catalogación razonada, segundo paso en la historiografía de una obra, vendrá de seguro más adelante, porque Estartús en un artista muy riguroso y profesional, no sólo a la hora de pintar sino también a la de inventariar y catalogar sus obras. Eso le honra y facilita el trabajo a los críticos e historiadores de arte que con el tiempo se vuelven locos para identificar o seguir la trayectoria de las obras que ha ejecutado y anotado.

Estartús con Sabina



Cuatro son los autores que han participado en el libro, Alberto Bartolomé; Ubaldo Sedano; Felix Ruiz de la Puerta y quien les habla.



Después de estos textos analíticos, el libro presenta un denominado Decálogo de Estartús en el que se recogen sus creencias y vivencias más acendradas sobre el arte y, entre otras cosas, se dice “Ante una obra, considero más importantes las sensaciones y emociones que origine, que incluso su propia comprensión”.



“Si tu obra no refleja tus sentimientos, es imposible que llegue a emocionar”, dice en otro aserto del Decálogo.



Estartús es un artista que reflexiona sobre el arte y su génesis, sobre las motivaciones que lo originan, sobre las ideas o pensamientos que lo sustentan... Por ello sus máximas del decálogo conectan con la afirmación de Paul Klee de que “el arte no expresa lo visible sino lo invisible” y en ese invisible está la manera singular del artista con su bagaje cultural y sensorial.



El critico de arte John Berger, que ha sido homenajeado hace dos día sen el Museo del Prado por la Asociación de Amigos de nuestra primera pinacoteca, habla de que “el arte es un misterio” en sus libros que son consulta obligada para todos los profesionales del circuito artístico, sobre todo su libro “Modos de ver”, que es muy elocuente.



El arte es un misterio, insiste este sabio autor, al que cada cual a de afrontar en su manera de descubrirlo. “La apariencia y la percepción son ilusorias en la obra artística, hay que ir más allá para buscar la verdad que late en el interior de esa obra de arte. Una verdad que se esconde a veces en la oscuridad de la materia.



Cuando Matisse pintó su celebre cuadro “Lujo, calma y voluptuosidad”, estaba transmitiendo, más allá de las imágenes relajadas en una playa, ese deseo de vida tranquila junto al Mare Nostrum, el Mediterráneo azul, cuenca de cultura y civilizaciones. El arte va más allá de sus componente de líneas, manchas y formas, aunque a veces nos cueste expresarlo, porque el lenguaje es muy otro al de la palabra. El arte plástico suele gozar de la simultaneidad de tiempo y espacio, algo de lo que no siempre gozan otras artes.




Un total de 911 obras catalogadas

Volvamos al libro de Estatus que nos ocupa. En él se habla de exceso de mediatización, lo cual es malo si hablamos de exceso, pero el discurso teórico ayuda a comprender la obra de arte, sobre todo a los menos iniciados.

El arte es un cordón umbilical que viene de las cuevas de Altamira y Lascaux, de las Venus del Neolítico como la de Brassenpuy... y ello nos habla de que en arte no hay evolución sino metamorfosis. ¿Quién se atrevería a decir que Picasso es superior a Velázquez o viceversa? El artista vive y bebe de su cultura y su tradición artística, de lo contrario sería un ingenuo.

Estartús viene de la tradición occidental del arte, de la pintura informalista –al menos en los últimos años- que a su vez ha bebido en Oriente, sobre todo en el minimalismo japonés, como lo confiesa el propio Antoni Tápies.

Estartus nos ofrece su trayectoria de 40 años en este libro, con sus propias reflexiones, que a veces contrastas con las de los críticos ¿Por qué no?

Su pintura se ordena por series temáticas y cronológicas: Adolescencia Impresionista; Sports, Piscis; Objeto; Zoolandia; Eros, Clowns, El origen de la vida; Sombreros; Hábitat humano; Mundo vegetal y animal; Cruces; Extremidades; Cosmos; Mundo Onírico; Escaleras, Signos, Abstracciones...

La profesora Catherine Lampert dice que no hay abstracción en sentido puro, porque la abstracción nace después del sentimiento y la mirada del artista. Las “Estructuras Neoinformalistas” que hoy nos presenta Estartús responden a su equipamiento mental y sensorial que se traduce en manipulación de materiales para expresarlo de alguna manera aun sin referencias naturalísticas.


El "color de la herrumbre"

Sus obras sobre planchas de hierro nos lleva a gozar de los logros de la oxidación con toda su gama cromática. Andrea Mantegna hablaba de su admiración por el “color de la herrumbre” . Estatus conecta con el italiano en este campo.

Voy a dejar aquí, por mi parte, la presentación del libro de Estatus porque queda Felix Ruiz de la Puerta, que seguramente les dirá cosas más interesantes.

Sólo me queda felicitar a Estatús y a los coleccionistas que tienen obra suya por la aparición de este libro hermoso y completo que nos da una visión de su trabajo fecundo, intenso y tocado por el Misterio del Arte. Muchas gracias".




miércoles, 10 de febrero de 2010

"Novalis, La nostalgia de lo invisible" , Vida y Obra del poeta

Novalis. La nostalgia de lo invisible
Antonio Pau
Editorial Trotta
Madrid, 2010 (261 pags)


Julia Sáez-Angulo

Novalis es un poeta grande del Romanticismo. Un poeta de poetas por lo profundo de su magisterio. Antonio Pau, experto en poesía alemana, ha escrito el libro “Novalis. La nostalgia de lo invisible”, editado por Trotta en el que da cuenta de la vida y obra, tan imbricadas, del escritor germánico.

Antonio Pau recuerda en su “Nota Preliminar” que Juan Ramón Jiménez eligió una cita de Novalis (1772 – 1801) al abrir su libro “Platero y yo”: “Donde quiera que haya niños, existe una Edad de Oro”.

“Novalis llegó a España a través de Maeterlinck. Maurice Maeterlinck desveló a Novalis a varias generaciones de franceses, y también –en menor medida- de españoles. Maeterlinck tradujo a Novalis en 1892. Poco después estuvo en Madrid y le recibieron los escritores del noventa y ocho”.

“Novalis fue un hombre bueno, de una bondad infantil y madura a la vez. Friedrich Schlegel le escribía en una carta a su hermano August: “Novalis cree que no existe el mal en el mundo”, señala Pau. “La vida y la obra de Novalis están impregnadas de esa mirada de bondad –recia y enteriza, no blanda ni lacrimosa- con que Novalis lo contemplaba todo. Se suele asimilar lo romántico a una candidez pueril, a una ensoñación vaporosa y vaga. Y Novalis era riguroso y preciso. Por eso escribió: “La exactitud científica es lo absolutamente poético”.

“Novalis. La nostalgia de lo invisible” es un libro que va siguiendo el pulso de la vida del poeta al ritmo de su composición poética. La vida del poeta se truncó muy pronto, lo que terminó con una obra hermosa que podría haber continuado y enriquecido. Una obra muy filosófica, de ahí el aprecio de la misma ha despertado en diferentes generaciones de vates.

Romanticismo cristalizado en Novalis

El romanticismo alemán está cristalizado en Novalis y así lo declaró Georg Lukács cuando dijo “Novalis es el último poeta auténtico de la escuela romántica. Sólo en él se transformó el alma entera del Romanticismo en poema. La vida y la obra de Novalis –es inútil tratar de huir del lugar común- forman una unidad inescindible, y como tal unidad es un símbolo del Romanticismo en su plenitud”

El libro, de pastas duras, va ilustrado con fotografías de época, algo que enriquece notablemente el volumen y la comprensión del mismo.

El autor, Antonio Pau, miembro del Instituto de España y premio de Ensayo y Humanidades Ortega y Gasset 1998 tiene en su haber más de cuarenta libros.

martes, 9 de febrero de 2010

Homenaje a John Berger en el Museo del Prado



Julia Sáez-Angulo


Es uno de los críticos de arte más señeros y admirados en el panorama del arte. Sus miradas e indagaciones sobre el arte llenas de audacia y originalidad han renovado la crítica de arte y entre sus escritos figuran sus reflexiones sobre Zurbarán, Velázquez y otros artistas españoles. Todo ello ha motivado que los Amigos del Museo del Prado le ofreciera un homenaje al que John Berger acudió con su hija Katya Berger Andreadakis, con la que llevó a cabo un performance.

La alabanza a John Berger (Londres, 1926) corrió a cargo del profesor Calvo Serraller, quien recordó las enseñanzas del crítico de arte en sus libros, y al que califico de sabio más que estudioso, experto o erudito.

Berger nos ha enseñado a mirar el arte con ojos renovados y a apreciar su misterio. Su obra más singular es “Modos de ver” (1974) manual de referencia clásica para críticos de arte y estudiantes.

También hicieron uso de la palabra para elogiar al autor británico: Plácido Arango, presidente del Real Patronato del Museo del Prado y Carlos Zurita, presidente de la Fundación Amigos del Museo del Prado.

Berger y su hija representaron la obra “Echarse a dormir” con la “Cámara de los esposos” de Andrea Mantegna como decorado casi natural y un lecho blanco en el que ambos “actores” dijeron en voz alta sus reflexiones sobre el arte.

Entre los presentes en el acto estuvieron José Guirao, director de La Casa Encendida; el pintor Gabino Amaya Cacho; Consuelo Vázquez, y el arquitecto Benito Hurtado.
Con motivo del homenaje, la Asociación de Amigos del Museo del Prado ha publicado un libro con escritos de John Berger.

Miquel Barceló (1983 -2009), exposición “La soledad organizativa”


Miquel Barceló (1983 -2009), “La soledad organizativa”
CaixaForum Madrid
Del 10 de febrero al 13 de junio de 2010



Julia Sáez-Angulo

El desaparecido galerista neoyorquino Leo Castelli decía en una entrevista que le hicieron en la revista “Formas Plásticas” de los años 80 que el pintor mallorquín –exponía en su galería después de su descubrimiento en la Feria de Basilea- era un pintor clásico. Esa misma idea podría deducirse tras el recorrido de su exposición Miquel Barceló (1983 -2009), “La soledad organizativa” en CaixaForum Madrid.

El título de la muestra se debe al del cuadro en el que pinta un gran gorila en un espacio amplio blanquecino y sucio, que muestra en la última de las siete salas del recorrido, denominada “Retratos”, en la que también se encuentran los de Dore Ashton y John Berger, dos reconocidos críticos de arte. El primero de ellos con la clara influencia expresionista de Kokoschka, después de visitar su museo vienés con Aston. También destacan, en este apartadi, los retratos de los africanos de Mali, amigos suyos.

Barceló es un gran pintor como se pone de manifiesto en las 180 piezas que componen la exposición. Un artista que conoce las vanguardias pero viene de la tradición en su dominio del color, del pigmento, de la narratividad, de la plasticidad… “Mi vida se parece a la superficie de mis cuadros”, confiesa el autor ante este gran planteamiento de su obra y con un catálogo seleccionado en sus textos por él mismo.

El mar, la tierra, la fragilidad del planeta
Junto a la tradición de la pintura occidental, Barceló se interesa por la caligrafía china y otros lenguajes más alejados, pero tarde o temprano regresa a sus temas reiterados clásicos: el mar la tierra o la fragilidad del planeta.

Los distintos espacios que llevan la pintura de Barceló se denominan: El mar, el museo, la biblioteca y el estudio; Un repertorio de la esperanza humana; Todos estos cuadros pertenecen al mundo terrenal, Huir del exceso; Un diario; Chemin de lumière y, Retratos.

En las pinturas de Barceló hay viajes, lecturas –es un buen lector-, misterio, adrenalina, incertidumbre… El registro de su trabajo es muy amplio. No es un artita de torre de marfil, aunque se retire y encierre en sus estudios mallorquín, africano o parisino. En la capital del Sena ocupó una iglesia con bóveda y hornacinas que le hicieron sentirse dueño del amplio espacio, algo que refleja en su cuadro “Museo del Louvre. Grande Galerie”.

Barceló en un mirón de la vida y sabe abstraer las cosas para su arte, lo que no quiere decir específicamente sus formas sino el concepto que palpita detrás de ellas.


Esperanza Aguirre visita la Sala de Arte Joven da la CAM




J.S.A.


La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, vivero de
artistas consagrados desde hace 20 años, inicia una nueva etapa en la
que el Gobierno regional va a dar a los jóvenes la oportunidad de
convertirse en comisarios de este espacio expositivo, una iniciativa que se
enmarca en la política del Gobierno regional de apoyar al arte emergente
en la región a través de diversas fórmulas. La presidenta Esperanza
Aguirre Ha visitado la Sala, y saludó a los dos jóvenes comisarios que han
ganado el primer concurso que el Gobierno regional convoca para elegir
programador entre menores de 35 años residentes en la región madrileña.

Aguirre, que también visitó Ilion Animation Studios, productora de la
película Planet 51, en Alcobendas, explicó que la Comunidad de Madrid
concentra actualmente cerca del 60% de la producción audiovisual
española y es sede de más de 300 productoras audiovisuales. Y por ello,
destacó que la producción audiovisual madrileña tiene un peso esencial en
el contexto nacional y ocupa una porción muy importante del PIB regional.

“Son datos –dijo la presidenta madrileña-- que nos obligan a prestar
la atención que se merece a esta industria, que es especialmente
compleja y está sometida a cambios cada vez más rápidos”. Precisamente
por eso reafirmó el compromiso de la Comunidad de Madrid con la
industria audiovisual madrileña y, de manera muy especial, con todos sus
profesionales, que se anticipan con esfuerzo y creatividad al futuro. Y puso
como ejemplo de ello a todos los que trabajan en “Ilion Animation Studios”.

Artistas emergentes ganadores

La presidenta explicó en la presentación de las ayudas de la Comunidad
para artistas emergentes en la Sala de Arte Joven, que Rafael Fernández
Pena e Israel Sousa ganaron la convocatoria, a la que se presentaron 25
propuestas, con Sala de Arte Joven 2.0, proyecto que desarrollarán en la
sala de abril a julio. Próximamente, se convocará un nuevo concurso para
elegir los siguientes comisarios.

Durante su intervención, la presidenta expresó el interés de su
Ejecutivo en ayudar a los jóvenes creadores a hacerse un lugar en los
circuitos profesionales del arte. “Y este objetivo se ha cumplido
sobradamente, porque a lo largo de estas dos décadas han expuesto en
esta Sala más de 850 artistas”, entre los que citó a Óscar Seco, Marina
Núñez, Fernando Sánchez Castillo y Cristina Lucas.

Además, Aguirre hizo hincapié en que este año se ha puesto en
marcha una iniciativa pionera en España: la convocatoria de un concurso
público para su comisariado temporal. Con ello queremos reconocer el
importante trabajo que hacen los comisarios y dar la oportunidad a
quienes comienzan en esta faceta para que nos den su visión de la
producción artística en Madrid.

Ayudas a la producción en artes plásticas

Aguirre también saludó en la Sala de Arte Joven a varios de los artistas
que han obtenido ayudas a la producción de la última convocatoria del
Gobierno regional y que permiten a artistas plásticos emergentes dar
forma a sus proyectos. A estas ayudas a las artes plásticas, dotadas en
2009 con 92.000 euros, se presentaron 77 proyectos.

También en el terreno de las artes plásticas, la Comunidad de
Madrid cuenta con premios a artistas emergentes como el Premio ARCO
Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, creado en 2004 y destinado
a menores de 40 años.

Este galardón, que se fallará la próxima semana, reconoce la mejor
obra de artes plásticas expuesta en la edición correspondiente de la Feria
ARCO y cuyo precio de venta no exceda de 35.000 euros. La Comunidad
de Madrid adquiere la obra galardonada incorporándola a los fondos de
su Colección de Arte Contemporáneo, hoy Colección del CA2M – Centro
de Arte Dos de Mayo.

Estas ayudas en el terreno de las artes plásticas se suman a otras
iniciativas que la Comunidad de Madrid desarrolla a lo largo del año para
apoyar a artistas emergentes en las áreas de danza, teatro y música.
Precisamente, el Gobierno regional acaba de convocar sus ayudas a las
producción de cortometrajes (400.000 euros) y las becas para la escritura
de guiones de largometrajes, autores de teatro y coreográficos y
compositores musicales noveles (129.000 euros). El plazo para la
presentación de solicitudes finaliza el 15 de febrero.

Noemí Larred, Sol Laura y Martín Godoy

Aguirre contempló, durante su visita a la Sala de Arte Joven, las dos
exposiciones actuales y que muestran el trabajo de los artistas , con El teatro interior. Las
exposiciones estarán abiertas en la Sala de Arte Joven de la Comunidad
de Madrid (Avenida de América,13), de lunes a sábados de 11:00 a 14:00
horas y de 18:00 a 21:00 horas, hasta el 20 de febrero.

Por último, la presidenta señaló que la creatividad de los jóvenes es uno
de los grandes activos del Madrid de nuestros días. “Por ello es esencial
facilitarles una primera oportunidad para que puedan desarrollar sus
proyectos en todos los ámbitos, y a tal fin hemos destinado en 2009 un
presupuesto de 754 millones de euros”, concluyó.

lunes, 8 de febrero de 2010

Ceesepe, cartelista y pregonero del Baile de Máscaras en el Círculo de Bellas Artes





J.S.A.

El pintor e ilustrador Ceesepe, una de las figuras míticas de la movida madrileña, será el cartelista y el pregonero del Baile de Máscaras del Círculo de Bellas Artes en el Carnaval 2010. Este año, la tradicional fiesta carnavalesca del CBA, una de las más esperadas de todo el año en la capital madrileña, tiene como lema Un Carnaval en blanco y negro. El eslogan hace referencia, entre otras cosas, a la sonada fiesta blanca promovida por la Bauhaus en los años veinte.

El sábado de carnaval (13 de febrero próximo) el Baile de Máscaras del CBA espera convocar en su sede de Alcalá 42 a cientos de personas dispuestas a divertirse siendo otros, perderse para encontrarse y disfrazarse para desnudarse. Las puertas del Salón de Baile y la Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes se abrirán a las 22.30 h. Desde ese momento el público podrá participar en el concurso de disfraces. A partir de las 24:00 y después del pregón de inauguración, la belleza de las emblemáticas salas del CBA será tomada al asalto por los asistentes dispuestos a bailar a ritmo de los diversos dj´s y grupos que animarán la fiesta y esté año como novedad se situarán en el centro de las salas.

Continúa así una antigua tradición inaugurada en 1891, cuando los artistas del Círculo de Bellas Artes organizaban su Baile de Máscaras en el Teatro Real. Una tradición que sólo la guerra civil y la dictadura franquista interrumpieron a partir de 1936 y se reanudó en 1984.

El CBA y el Museo del Traje conservan una buena colección de carteles de la Fiesta de Máscaras.

"Desayuno con Sócrates" de Robert Rowland Smith

Desayuno con Sócrates
Robert Rowland Smith
Editorial Espasa
Madrid, 2010


J.S.A.

El libro de reflexiones “Desayuno con Sócrates” de ha sido un éxito en Gran Bretaña y ahora se traduce en España y se publica por Espasa. Un libro que ofrece la filoófía día a día.

Robert Rowland Smith es consultor, conferenciante y escribe sobre filosofía, literatura y psicoanálisis. Ahora divide su tiempo entre la consultoría de forma independiente y la escritura.Ha sido profesor en universidades de todo Reino Unido, Francia, Noruega y California. En 1990 el British Council le invitó a una gira de conferencias sobre Europa. Jacques Derrida describió el trabajo de Robert como 'excelente'.En los últimos años, Robert da charlas en el Instituto de Arte Contemporáneo, la Hayward Gallery, el Instituto Francés y la London School of Economics. Ha escrito para The Independent, se ha perfilado en la revista The Sunday Telegraph, ha colaborado en libros de filosofía para niños y en programas de la BBC.Tras vivir muchos años en Oxford, Francia y Los Ángeles, Robert ha vuelto a su Londres natal, donde vive con su esposa. Tiene tres hijas.

Situaciones cotidianas que nos afectan

La reflexión sobre situaciones cotidianas que afectan al individuo común, tales como acudir al trabajo, ir al médico, reunirse con la familia y los amigos o disfrutar de los momentos de ocio, constituye el punto de partida para analizar diversos conceptos que el autor extrae del mundo del arte, la filosofía, la literatura, la política o la psicología. El libro constituye una original síntesis de la historia de las ideas; un recorrido a través de algunas de las grandes líneas de la cultura universal. Un análisis inteligente que facilita la comprensión de formulaciones teóricas básicas del pensamiento universal.

¿Qué le parecería estar en el gimnasio con Foucault mientras le explica cómo la rutina es una forma de controlar su vida? ¿Se imagina que Karl Marx le susurra al oído en el trabajo algunas ideas sobre cómo dejar de ser un esclavo? ¿Quiere que su fiesta sea un éxito? El mismísimo Maquiavelo le contará las claves. Y a la hora de dormir ¿quién mejor que Buda para enseñarle a relajarse?

"Sólo sé que no sé nada", decía Sócrates.

Inmaculada Cuesta, pintora, retratista, galerista y animadora cultural



Julia Sáez-Angulo

Inmaculada Cuesta es pintora y galerista del espacio EME04 en Madrid, un espacio artístico donde se lleva a cabo una amplia actividad cultural: cursos, tertulias, conferencias o conciertos. La pintora está reconocida como una notable retratista.

¿Qué fue su última exposición en Segovia?

Un conjunto de obras relacionadas con la Literatura. Por una parte la serie "Quijote 07", son 5 tablas de gran formato que representan a Don Quijote, Dulcinea, Sancho, Rocinante y Rucio. Tienen algo de la ternura, ironía, gracia, sabiduría, universalidad… de la obra literaria; que por ser un clásico admite interpretaciones en todos los tiempos y lugares.

El segundo grupo estaba dedicado a dos poetas: Juan Ramón Jiménez junto a Zenobia; de él llevé una pequeña parte de la exposición monográfica itinerante celebrada en 2008. Y una primicia: el retrato de Machado y Leonor, un pequeño homenaje en el centenario de la boda, para una ciudad en la que vivió el poeta. Esta obra la adquirió un coleccionista.

¿Está terminada su serie de “El Quijote”?

Si, nunca he querido “ilustrar” la novela, más bien surgió como una visión particular, una especie de síntesis plástica que quiere plasmar el contraste vital entre los sueños y la realidad. Puede ver la obra en el siguiente enlace: http://www.youtube.com/watch?v=w27-jDsEb5U


Dentro de su dedicación al retrato, lleva a cabo numerosos de niños ¿Es difícil retratar a los más chicos?

No lo considero especialmente difícil; no han tenido tiempo de vivir, sus rostros son sencillos, no tienen trampa; lo dicen todo con los ojos.., me encanta pintar la mirada de los niños!: http://www.youtube.com/watch?v=qro9e4EFTtE


¿Se compagina bien la labor de artista y galerista?

Se compagina con cierta dificultad en cuanto a la dedicación, pero, gracias a Dios, la inspiración “empuja” con fuerza y es muy difícil resistirse, se saca tiempo de donde sea…, la inspiración, los proyectos de exposición y los encargos. En mi caso son dos trabajos que se complementan, mi pintura, en parte, se alimenta de la experiencia que me aporta el mundo de la Galería y mi trabajo pictórico me aporta una mayor comprensión para el Artista y su obra. Considero una gran suerte estar metida a fondo en los dos porque me permite vivir más intensamente el Arte


¿Hay tertulias y actos culturales en su espacio?


Si, desde el comienzo. Normalmente se trata de “Encuentros Artísticos”, en los que tratamos de mostrar las preciosas conexiones entre las distintas expresiones artísticas (Música, Canto, Poesía, Artes Plásticas..) http://www.galeriaeme04.com/galeria/categories.php?cat_id=8&sessionid=8cbb82e8f9f61772cf5300b3b302de87
Es coherente con las ideas que expusimos en el Manifiesto con que inauguramos EME 04, como Espacio Abierto al Arte: http://www.galeriaeme04.com/noticias.html

Homenaje a Juan Ramón Jiménez


¿Qué satisfacciones le ha dado exponer y con quien?

La mayor alegría, por el momento, ha sido la exposición Homenaje a Juan Ramón Jiménez en el marco de la Conmemoración del Trienio. Zenobia-Juan Ramón Jiménez 2006-2008. Se trata de una satisfacción que expresé así en el catálogo:

La experiencia ha sido muy interesante: Juan Ramón me ha descubierto un nuevo modo de pintar. Cada cuadro ha sido un hallazgo maravilloso que me lleva a preguntarme con versos suyos

¿Cómo una voz de afuera
llega a ser nuestra voz
y hacer decir sus cosas
a nuestro corazón?


La exposición arrancó en EME 04, después la llevé a mi tierra (Jaén) y más tarde a la sala Zayas de Madrid. En EME 04 pude prepararla con “mucho mimo”: durante la inauguración hubo lectura de los poemas pintados, ante la obra correspondiente.

La exposición incluía la proyección del vídeo Los viajes de Juan Ramón Jiménez hacia una nueva Atlántida (UNED), que nos permitía oír la voz del poeta recitando uno de sus poemas. Además se celebró un acto especialmente interesante: la “Tertulia Literaria” a cargo de Carmen Hernández Pinzón, sobrina nieta del poeta, y Chili Valverde, cantautora de Juan Ramón.

Este trabajo fue el comienzo de una línea pictórica, que aún continúo: vivir la poesía desde el color y adentrarme en el poeta con el retrato. Mi trabajo más reciente es el retrato de Luís Rosales, en un lienzo de 100 x 100 cm.

Algunos sostienen todavía que “la pintura ha muerto” ¿Qué les diría?

Mueren la modas y las tendencias con cada generación, pero no la vía de expresión, que adoptará distintos estilos, soportes, técnicas…, tendrá mayor o menor relevancia, en competencia con otros modos de expresión. Pienso que mientras el hombre sea hombre, habrá quienes se expresen pintando

¿Qué definición de arte le convence mas y por qué?


La de Tolstoi en su ensayo ¿Qué es el Arte?: el arte es uno de los medios de comunicación entre los hombres. Toda obra de arte, pone en relación el hombre a quien se dirige con el que la produjo, y con todos los hombres que simultánea, anterior o posteriormente, reciben impresión de ella. La palabra que transmite los pensamientos de los hombres, es un lazo de unión entre ellos; lo mismo le ocurre al arte. Lo que le distingue de la palabra es que ésta le sirve al hombre para transmitir a otros sus pensamientos, mientras que, por medio del arte, solo le transmite sus sentimientos y emociones. La transmisión se opera del modo siguiente:

Un hombre cualquiera es capaz de experimentar todos los sentimientos humanos, aunque no sea capaz de expresarlos todos. Pero basta que otro hombre los exprese ante él, para que enseguida los experimente él mismo, aun cuando no los haya experimentado jamás. Si, al final, si se considera arte y no tiene alma, no tiene verdad, la obra qué puede ser?.. “una mentira”, y la mentira es el opuesto al arte

¿Qué Museo es su preferido y por qué?
Entre los que conozco (España, París, Viena, Eslovaquia) me quedo con el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, por su contenido y continente, por el tamaño y el enclave.

¿Qué obra de arte le impactó más? ¿Por qué?

No fue una obra concreta, el impacto más fuerte lo tuve al visitar la obra de Esteban Vicente en su Museo de Segovia. En primer lugar me conmovió profundamente, después, con la reflexión reconocí en él las raíces españolas y el diálogo abierto a otros artistas y a otros mundos. Siempre que lo encuentro, vuelvo a experimentar lo mismo.

¿Qué libro de arte le ha motivado más?
“Mi vida”, de Marc Chagall. Está relacionado con mis comienzos en la Pintura


La Academia de la Hispanidad reclama el respeto al castellano en la rotulación de los comercios



Julia Sáez-Angulo

El presidente de la Academia de la Hispanidad, Jesús Sevilla Lozano, ha enviado una carta al presidente de la Generalitat de Cataluña, José Montilla, para rogarle que respete el uso de la lengua castellana entre la población catalana que desea rotular en esea lengua sus negocios. La carta dice los siguiente:

“Como presidente de la Academia de la Hispanidad y a ruegos de nuestra Asamblea General, celebrada el 30-01-10, nos vemos en la necesidad de comunicarle nuestro estupor, malestar y desaprobación por esas multas que, desde su Gobierno, se están poniendo a los ciudadanos que emplean el castellano como lengua de comunicación en Cataluña.


Suponemos conocerá que esta actitud, va contra la Constitución Española, que claramente especifica que el conocimiento y uso de la lengua castellana, es “un derecho y un deber” de todos los españoles; por lo que creemos que con esta norma de su Gobierno, se está conculcando gravemente en Cataluña uno de los principales artículos de la Carta Magna.


Por todo lo expuesto, le rogamos que se reconsidere esa normativa agresiva y ofensiva contra los castellano-hablantes, que tienen todo el derecho a utilizar su lengua hablada y escrita en el territorio nacional; normativa que a su vez genera un desagrado y rechazo en muchos ciudadanos e instituciones españolas como la nuestra”.

Por otra parte, las salas de cine de Cataluña han llevado a cabo una huelga para oponerse al obligado doblaje al catalán a que somete la normativa de la Generalitat, con claro perjuicio para la exhibición cinematográfica de los ciudadanos y empresas.


domingo, 7 de febrero de 2010

Jacinto Benavente: “El Príncipe que todo lo aprendió en los libros”

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"El príncipe que lo aprendió todo en los libros"
Teatro
Jacinto Benavente
Barcelona, 2010 (89 pags)



J.S.A




Con el sugerente título de “El Príncipe que todo lo aprendió en los libros”, su autor, el premio Nobel español 1922 Jacinto Benavente (Madrid, 1886 – 1954), escribió una obra de teatro para niños de gran belleza y plasticidad, publicada por la editorial Juventud.

Un príncipe muy lector de libros se enfrenta a la realidad con un bagaje aprendido en los cuentos de edad. Ese choque da lugar a situaciones muy diversas en las que se pone de manifiesto la relación entre vida y literatura.

Gran dramaturgo, con célebres obras como “Los intereses creados”, “La Malquerida” o “La noche del sábado”, Jacinto Benavente, ha sabido acercarse a los niños de modo inteligente en esta obra singular, con un título que es un disparo provocador para los niños.

Sus personajes pasan desde el Príncipe Azul al rey Chuchurumbé, la reina o Tonino el bufón, pasando por el preceptor, el ogro, la bruja, las tres hijas. Todos tienen algo que decir y añadir a la situación puntual en que se encuentra el príncipe.

Es fácil imaginar la representación de esta pieza teatral para infantes y el éxito de su acogida. No todos los escritores se atreven a hacerlo para los más pequeños, Jacinto Benavente lo hizo con gracia en un género que debiera de desarrollarse más en las escuelas.

Ambos, Jacinto Benavente y José Echegaray obtuvieron el máximo galardón sueco por su obra dramática lena de ingenio y acierto, por más que ahora pasen por un silencio o acallamiento de modas y preferencias. Otros Nobel literarios españoles fueron Juan Ramón Jiménez, Vicente Aleixandre y Camilo José Cela.

El libro cuenta con excelentes ilustraciones de Zuzanna Celej

Héctor Delgado en la exposición Flecha 2010 en paralelo a ARCO


 escultura de H. Delgado



J.S.A.


El escultor madrileño Héctor Delgado muestra once esculturas en la amplia exposición Flecha 2010, en la que también figuran otros artistas como Nacho Angulo, Ceesepe, Monir, Menchu Uroz, El Hortelano, Emma Fernández, Verónica Velasco, Ouka Leele, François Legrand, Said Rajabi, Carlos Nadal y otros. La exposción se realiza en paralelo a ARCO 2010 que tiene lugar en la Casa de Campo del 8 al 17 de feberero.

Hector Delgado Millán (Madrid, 1971) presenta trabajos de su diversa trayectoria en cuanto a materiales utilizados: piezas geométricas en alabastro o esculturas en arenisca de su conocida serie románica, algunas de las cuales muestran el musgo original de la piedra en que trabaja.

“Un día mis manos me delataron y demostraron lo que soy: un escultor...” declara Héctor Delgado. “A partir de ahí, a mi pasión por crear sentimientos, con un trozo de piedra que tiene su propia vida rehace ser afortunado”.

“Mis formas voluptuosas, orgánicas y con una forma caprichosa, le dan una morfología singular”, añade el escultor. “Buscando una escultura potente y rotunda, los golpes perfilan las formas y dan una clara inspiración figurativa”.

Para este artista, es la piedra la que le “hace perderme en lo románico y aventurándome en lo geométrico, creando troncos retorcidos sobre sí mismos y que derivan a una escultura libre y fresca”.

Héctor Delgado se siente orgulloso de ser “pica piedra”. “Forma o espacio escultóricos para mí son composiciones abiertas y sugerentes, expresivas y espirituales”, concluye.

El escultor, que ha viajado recientemente a Luxemburgo y San Petersburgo prepara una amplia exposición sobre su obra. Profesor de Universidad ha llevado a cabo una tesis sobre Escultura y Arquitectura con nombres señeros en ambas disciplinas.


Agrupación Española de Acuarelistas: Homenaje a sus docentes




Julia Sáez-Angulo


La Agrupación Española de Acuarelistas, AEDA, ha llevado a cabo una cena de hermandad para homenajear a su cuerpo docente en el Hotel Senator de Madrid. El acto estuvo dirigido por su presidente Jaime Galdeano Moreno, que lleva al frente de la Agrupación más de veinte años.

El presidente de AEDA destacó la gran labor de los profesores en pro del conocimiento y divulgación de la acuarela, como técnica especializada dentro de la pintura y entregó los obsequios de reconocimiento a los siguientes nombres: Ricardo de Arce, Javier del Valle, Cristina de la Serna, María Isabel San José, Pilar Balsa, Luís Miguel Castellano, José Ismer, Ángeles de la Borbolla, Juan Martínez Cristóbal, Raimundo Muñoz Soria (ex presidente de la Asociación de Publicistas) y Vicente Lezama –recién incorporado a la docencia- Igualmente se entregó una Mención de Honor a este último acuarelista.

Jaime Galdeano, que también ha sido profesor en AEDA, comunicó a los acuarelistas asociados que dejaba su cargo al cabo de veinte años de trabajo en el puesto y deseaba lo mejor para el elegido en próxima convocatoria. Se sentía satisfecho de la labor realizada, entre otras cosas, por el reciente Festival de la Acuarela en Segovia, así como el congreso y exposición internacional de acuarelas que tuvo lugar en la Casa de la Moneda de Madrid, donde se pudo contemplar lo mejor que hoy se hace en el mundo.

El actual presidente declar,ó a preguntas de “La Mirada Actual”, que se iba con el persistente deseo de que se creara un Museo de la Acuarela en España, para el que se habían realizado numerosos encuentros y solicitudes, pendientes estaban todavía por fructificar. AEDA cuenta con un buen fondo de acuarelas de autores históricos a los que se sumarían autores más recientes. “Un museo que está por hacer y que sólo espera la sensibilidad cultural de los políticos de las diferentes Administraciones públicas para llevarlo a cabo. Un Museo que será un espléndido escaparate para el arte en España”.


Nombres históricos de la Acuarela


En las clases de acuarela de AEDA se enseñan todos los géneros, desde el bodegón al paisaje, pasando por el retrato o la mancha abstracta. Entre los grandes acuarelistas de la historia están José Tapiró Baró, Ismael de Osma, Requena, Gustave Doré o Apperley. El Príncipe de Gales es un notable conocedor y pintor de acuarelas, así como Doña Ana de Orleáns, duquesa de Calabria, quien declaró recientemente que en su familia del había habido notables pintores en el género.

Entre los presentes en el acto de homenaje y reconocimiento estuvieron, Isabel Moreno, Alosete, Pablo Reviriego y Mercedes Ballesteros, además de los críticos de arte Agustín Romo y Fernando Mora. La acuarelista Maica Nöis excusó su asistencia por razones personales.

El próximo 24 de abril al 16 de mayo de 2010 tiene lugar el 7º Festival Internacional de la Acuarela en Amberes (Holanda).