sábado, 20 de febrero de 2010

Entrega de Premios del Hogar de Ávila en Madrid




Dolores Gallardo López



El viernes 19 de febrero el Hogar de Ávila en Madrid celebró su cita anual en la que proclama a sus socios de honor de (este año D. Pablo Serrano Mancebo, director del Diario de Ávila, y Dña Aña Samboal presentadora del informativo de la 12 de la noche de Telemadrid) , entrega sus premios Besana (este año ha recaído en el Colegio Oficial de Arquitectos de Ávila), Espadaña (D. Miguel Ángel Rodríguez) y Mejor Libro del año sobre temas abulenses (en esta convocatoria otorgado a Dña M. Jesús Ruiz- Ayúcar y Zurdo). Este año, además, se hacía entrega de la llave del Hogar de Ávila.

El acto fue presidido por el presidente del Hogar, D. Agapito Rodríguez, el concejal de cultura del Ayuntamiento de Ávila, D. Eugenio López-Berrón, y la Sra. concejala de cultura del madrileño distrito de La Latina, Dña Begoña Larrainzar. Actuó como secretario y jefe de protocolo, Roberto Llorente.

Por primera vez a dos mujeres

El público abarrotaba el salón, pero, desafortunadamente, en esta ocasión no estaba allí presente el que fuera durante muchos años Cronista Oficial de Ávila –además de magnífico poeta y personaje muy significativo de la cultura abulense- Aurelio Sánchez Tadeo, fallecido hace unos meses.

El Hogar de Ávila en Madrid se caracteriza, entre otras cosas, por su notable actividad en los campos de la cultura y el arte. Testimonio de ello es la tertulia de arte Peñaltar -dirigida por Dña Rosa María Manzanares en la que el último jueves de cada mes Julia Saez Angulo presenta un pintor actual y comenta su trayectoria vital y artística.

Este año las llaves del Hogar han sido entregadas a Rosa María Manzanares y a Julia Saez Angulo, por la magnífica labor llevada a cabo por ambas como directora y presentadora respectivamente de la Tertulia Peñaltar. Se da la circunstancia, como resaltó durante el acto, de que es la primera vez que esta distinción es otorgada al género femenino. La profesora Anunciación Guild Redondo hizo la alabanza de ambas galardonadas.

Entre los asistentes al acto, Cristina F. Maguregui, Elisa Saez, Mercedes Ballesteros, Pablo Reviriego y los escritores Elisa Mancini, Mario Soria, Mar Capitán y Charo La Cueva.


Capítulo de Isabel Católica en San Juan de los Reyes de Toledo



L.M.A.

El acto de constitución de Sección del Capítulo de Isabel la Católica y Academia de la Hispanidad en el Monasterio de San Juan de los Reyes de la Archidiócesis de Toledo ha tenido lugar el sábado 20 de febrero en la iglesia de San Juan de los Reyes.

Dicho acto fue presentado por Alfredo Pastor Ugena, Maestre del Capítulo, que dio paso a las intervenciones de José María Gómez, Gran Maestre del Capítulo, quien hizo una exposición de “Isabel la Católica y Toledo”, conferencia que figura en una publicación del Capítulo ilustrada por Fernando Aranda. Jesús Sevilla Lozano, Director de la Academia de la Hispanidad intervino a continuación, seguido de Fray Carlos Bermejo Cabeza, padre Guardián de San Juan de los Reyes y don Ángel Fernández Collado, Previcario general de la Archidiócesis de Toledo. Como Secretaria Canciller actuó María Bernal.

Entre los numerosos asistentes al acto estuvieron los escritores Pilar Aroca, Arturo Vinuesa, Julia Sáez-Angulo, Natividad Cepeda, Claudio Becerro de Bengoa y Francisco de la Torre.

Espacio de luz para los visitantes

Fray Carlos Bermejo dijo a los asistentes:

“Sed bienvenidos a este espacio de luz, que desde la penumbra del bajo coro se va abriendo hasta el punto que, según lo proyectado, debía ser luz cenital que acogiera los restos de Isabel y Fernando. Espacio de luz, este de San Juan de los Reyes, creado por tantos hermanos franciscanos dedicados aquí a la investigación teológica, a la enseñanza en las diversas ramas del saber. Espacio de luz que fue acusado de “alumbrado” por albergar, como tantos otros ámbitos franciscanos, encuentros de religiosos y seglares inquietos por su vida espiritual, por la lectura de la Escritura, por la marcha de la Iglesia. Medio ambiente de discernimiento en el que se celebraron Capítulos Generales de la Orden Franciscana.

Bienvenidos al lugar del tanto monta, monta tanto, al terreno del e pluribus unum, esfera de unidad en la diversidad y de la distinción en la unidad; sencilla parábola del Dios cristiano, uno y tres, uno solo y distintos.

Bienvenidos a este ámbito de identidad cristiana e hispánica, dos identidades en una sola, donde la raíz y el fundamento de lo social y político es su componente cristiana.

Bienvenidos a este ambiente de exuberancia natural que bulle de sus lienzos; una naturaleza vegetal que abraza fieras, profetas, quimeras, trasgos, humanos, santos… una naturaleza no amenazante, sino que nos convida a convivir con la vida y todo lo creado, pues vio Dios que todo era muy bueno.

Y por último, aunque en primer lugar, bienvenidos a esta comunidad franciscana de san Juan de los Reyes formada de frailes concretos: Clodulfo, Ursicio, Marcos, Vicente M., Vicente B., Juan-Antonio, Valentín, y quien os habla, Carlos. Esta sencilla fraternidad quiere ensanchar su espacio acogiéndoos a vosotros.

Saludándoos como lo haría san Francisco os decimos: Que el Señor os dé su paz, buena gente”.
Al final actuó la Schola Gregoriana Caesarobrigensis con un concierto gregoriano

Próximamente tendrá lugar una serie de conferencias sobre la Reina Isabel I de Castilla y Toledo y un recital poético por los vates del Capítulo.

viernes, 19 de febrero de 2010

Arte Naïf Europeo en la madrileña Galería Éboli con Haiti como País Invitado


VII Muestra de Arte Naïf Europeo
Galeria Éboli. Madrid
13 marzo – 9 mayo 2010


L.M.A.

La madrileña Galería Éboli celebra la VII Muestra de Arte Naïf Europeo desde el próximo 13 de marzo al 9 de mayo de 2010. Este año coincide con el centenario de Henri Rousseau, pionero francés en este arte reconocido en el siglo XX y el país invitado a la muestra es Haiti.

La Galería Eboli fue inaugurada en el año 2003 por iniciativa de su directora Amalia Fernández de Córdoba, quien ha puesto todo su empeño en sacar adelante este proyecto cultural abierto a distintas expresiones Artísticas. La Galería Eboli está dedicada principalmente a exposiciones de Arte Figurativo y dentro de este campo, de todas sus variantes. Realiza exposiciones periódicas a lo largo de todo el año, pero hay siempre una constante en la programación de la Galería.

La “Muestra de Arte Naif Europeo”. En el 2010 se celebrará su VII edición, y como siempre, desde mediados de Marzo hasta mediados de Mayo. Este año será especial ya que se conmemora el Centenario de la muerte (septiembre 1910) de Henri Rousseau (El Aduanero) considerado por muchos el precursor de este movimiento artístico. En cada edición de la Muestra hemos contado con la participación de un país no europeo. Este año se contará con Haití como país invitado.

Es la exposición que más tiempo permanece en exhibición en la Galería Eboli debido al gran trabajo de organización requerido y la cantidad de obras expuestas. En la edición de el 2009 hubo un total de 164 obras expuestas realizadas por artistas de reconocida trayectoria dentro de el Arte Naïf (Muchos de ellos tienen sus obras en Museos de Arte Naïf de todo el mundo y todos exponen en distintas convocatorias dedicadas a este Arte y Certámenes en Europa, EEUU…).

La Galería Eboli está dirigida por Amalia Fernández de Córdoba, quien, antes de embarcarse en la dirección de la Galería se ha movido mucho entre el círculo de Artistas, Galeristas, Museos e instituciones de Arte Naïf, ya que ella misma es Pintora Naïf por lo que tiene múltiples contactos para el desarrollo de este proyecto. En 2010 celebra ya su VII edición y a la vista está que los objetivos de los comienzos se han cumplido y que este arte espontáneo se consolida en una sociedad llena de clichés difíciles de contradecir.

Centenario de Henri Rousseau, pionero del naïf del XX

Una exposición realizada en el Salón de los Independientes, retrospectiva de Henri Rousseau en 1911, llevó al arte Naïf a convertirse en género artístico propio, que poco a poco saltó al mercado internacional desde Francia. Este reconocimiento llegó a España en la década de los 70 de la mano de Fernando Zobel y del Doctor Vallejo-Nájera y ha dado nombres reconocidos en el ámbito internacional como Bruno Epple, Joop Plasmeijer, Ilona Schmit, Juan Borras II, Tito Lucaveche…, algunos de ellos asiduos participantes a la Muestra de Arte Naïf que organiza la Galería Eboli.

Este año se exhiben obras de Artistas provenientes de Alemania, Bélgica, Dinamarca, España, Finlandia, Francia, Holanda, Inglaterra, Italia, Noruega, Polonia, Portugal, Rumania, Serbia, Suecia, Suiza, Turquía y Haiti.


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Julia Hountou, fotógrafa francesa, capta la nieve sobre Roma



L.M.A.

Julia Hountou ha llevado a cabo una serie de fotografías sobre la Nieve en Roma. De gran belleza artística. Doctora en Historia del Arte Contemporánea. Pensionista en Historia del Arte a la Academia de Francia en Roma - Villa Médicis. La fotógrafa ha trabajado en las Acciones de Gina Pane del 1968 al 1981, en el marco de su doctorado sostenido en la Universidad de París I - Panteón - Soborna.

Su tesis tomó la forma de una obra titulada Las Acciones de Gina Pane del 1968 al 1981: de la fusión con la naturaleza en la empatía social que debe aparecer pronto las ediciones de los Archivos Contemporáneas, en colaboración con la Escuela Normal Superior Letras y Ciencias Humanas de Lyon.

Coautora del libro Gina Pane - Letra a un desconocido (E.N.S.B-a, Coll. Ecrits d'artistes) con B. Chavanne et . Vendedor, ella colabora con revistas diversas : Chimères (revue des schizoanalyses fondée par Gilles Deleuze et Félix Guattari). Ligeia, dossiers sur l'art. La Nouvelle Revue d'Esthétique. Verso Arts et Lettres. PerformArts. Art présence. Flux News. Turbulences vidéo. Lunes (Réalités, Parcours, Représentations de Femmes).

Y varios sitios internet : Exporevue.com, PerformArts, uneexpo.com.Autora del catálogo de la exposición "Rafael Mahdavi", à l'ÉSAD d'Amiens en abril 2009. Contribuyó a la redacción del catálogo de la exposición Michel Journiac (Ed. Les musées de Strasbourg et ENSB-a de Paris) en 2004.


Roland Laurette ha escrito este poema a las fotos de la autora


Una nieve incongruente sobrecarga un brigadier,
Cada árbol se asombra de su soledad,El gran pino hace guardia,
En silencio, alamedas se ponen en perspectiva, Mercurio atrapado por los hielos, intenta un último vuelo visto la urgencia...
Todavía nieva y todavía - cómo creer en eso? - sobre viejos enlucidos totalmente aureolados por memorias, sarmientos e hicieron hierro extenuados zigzaguean en una abstracción improbable,
En la cumbre de la pendiente, entre los pilares de lo que fue en otro tiempo un gran pórtico,
Dos enamorados apenas perceptibles desafían la sorpresa de los copos.
A sus pies, Roma juega melancólicamente a la ciudad del Norte.

Fanny Ardant recitará a Albéniz con la Orquesta de la Comunidad de Madrid

L.M.A.
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan Poesía y Música en torno a Albéniz, una cita muy especial dentro de los Ciclos de Musicales de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), un espectáculo que aúna canto, música instrumental y recitado. En esta ocasión, y con motivo del homenaje del nacimiento de Isaac Albéniz, la ORCAM contará además con unos invitados de excepción: Fanny Ardant y José Luis Gómez como recitadores; Elena Gragera, mezzosoprano y Karina Azizova al piano. Este espectáculo musical tendrá lugar el domingo 21 de febrero a las 12.00h en la Sala Roja, a precios populares entre 12 y 15 euros.

Este concierto, dirigido por el maestro Encinar, muy directamente orientado a homenajear a Isaac Albéniz en el ciento cincuenta centenario de su nacimiento, está cuajado de novedades. La primera, el estreno mundial de la transcripción para orquesta del piano de las cuatro últimas canciones del compositor, Four songs, que canta la mezzosoprano Elena Gragera en la versión para voz y arpa y cuerda de Gorka Sierra.

Este espectáculo supone también la recuperación de una obra durante mucho tiempo olvidada, Poémes d´amour, de Paul Armand Silvestre, en la que, como una Sarah Bernhardt rediviva, actúa la ilustre actriz francesa Fanny Ardant. La plantilla orquestal de Poemes d´amour viene constituida por flauta, oboe, trompa, armonio, piano y cuerda. La obra está conformada por la suma de trece miniaturas o piezas incidentales, resultado de un encargo que recibió Albéniz. Se trataba de ilustrar musicalmente una serie de cuadros vivientes que debían ser recitados por la conocida actriz Sarah Bernhardt y llevados a la escena por Cyprien Godebski, un escultor de la época. El texto recorre una serie de parejas históricas, bíblicas (Cristo y María Magdalena) o mitológicas.

Al lado de estas obras figura, el actor José Luis Gómez recita sendos poemas de Federico García Lorca y Juan Ramón Jiménez y tres de Gerardo Diego. Abre y cierra la sesión la interpretación de Jerez, perteneciente a la Suit Iberia. En primer lugar se interpretará la versión pianística original, interpretada por Karina Azizova y cerrará el concierto la versión orquestal debida a Francisco Guerrero.

En la década de los 80, Fanny Ardant alcanza fama internacional con La mujer de al lado, película dirigida por Truffaut y en la que comparte el protagonismo con Gérard Depardieu. Este mismo año recibió su primera nominación a los premios César. Durante la década de los 80 además de con Truffaut, Fanny será protagonista en las películas de otros directores conocidos: Alain Resnais, Costa-Gavras, Ettore Scola o Volker Schlöndorf. En 1983, por Vivamente el domingo, sería de nuevo nominada a los César, pero otra vez como dos años antes, el premio sería para Isabelle Adjani. En 1995 hizo su presentación en Hollywood con Sabrina de Sydney Pollack, película protagonizada por Harrison Ford y Julia Ormond. En 1996 recibió el premio César a la mejor actriz por su interpretación en la comedia Todos están locas dirigida por Gabriel Aghion. Durante la última etapa de su carrera ha destacado en películas como Ocho mujeres, comedia de misterio dirigida por François Ozon, por la que tendría su última nominación a los premios César y en Callas Forever, de Franco Zeffirelli, en la que daba vida a la famosa cantante de ópera Maria Callas. También ha participado en dos películas españolas: Sin noticias de Dios, de Agustín Díaz Yanes, y El año del diluvio, de Jaime Chávarri.

Jose Luis Gómez, actor y director formado en el Instituto de Arte Dramático de Westfalia y en la escuela de Jacques Lecoq, comenzó su andadura artística con mimodramas de nuevo cuño que cambian radicalmente la idea de pantomima en boga en los 70. Asumió la dirección del Centro Dramático Nacional y dos años más tarde el del Teatro Español. En ambos cosechó éxitos como La vida es sueño y Absalón. Desde 1995 se concetra en la concepción, gestión y dirección del Teatro de la Abadía donde realiza trabajos como director de escena (Entremeses de Cervantes y El Rey se muere, entre otras), como actor (Las sillas de Ionesco) y como actor y director (Azaña, una pasión española). Ha sido Premio Nacional de Teatro (1988), Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2006) y Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes (2001), entre otros galardones.

Continuamente solicitada por los principales escenarios musicales del país, Elena Gragera es alabada tanto por su alta calidad artística y profundización e interioridad que imprime a sus interpretaciones, como por la originalidad e innovadoras propuestas de los programas que propone, siendo considerada por la crítica especializada una de las mejores recitalistas españolas de la actualidad y con mejor proyección europea. Recibe la tradición interpretativa del “lied alemán” de la mano de uno de los grandes mitos del género: la soprano Irmgard Seefried, Estudia también con Edith Mathis, el barítono francés Gérard Souzay y con la gran contralto holandesa Aafje Heynis, obteniendo el diploma superior con distinción del Koninklijk Conservatorium de La Haya. Dentro de su faceta liederística alcanza un gran éxito su ciclo de Robert Schumann: Lieder de 1840 en la Fundación March de Madrid

Nacida en Turkmenistán, Karina Azizova desde el año 2000 reside en España donde actúa con frecuencia en las salas más importantes como Auditorio Nacional de Madrid, Teatro Monumental, Museo Reina Sofía, entre otros. En la actualidad es pianista titular de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, habiendo participado en los distintos Ciclos de esta agrupación.

El Ciclo de Solistas de la ORCAM, donde nace este espectáculo, se caracteriza por su variedad y su atractivo para el público. Serán interpretados por distintas agrupaciones integradas por miembros de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, y a ellos se unirán en varias ocasiones jóvenes intérpretes de la JORCAM, permitiendo así conocer a los nuevos valores de la interpretación en la Comunidad de Madrid. Los grupos vocales, cuartetos o agrupaciones de viento abordarán todo tipo de géneros y repertorio, como la zarzuela y el musical o las obras de cámara de grandes compositores de todas las épocas, desde Gabrielli a Aaron Copland.

Bienal de Pontevedra con Centroamérica y el Caribe como protagonistas



L.M.A.

La Diputación de Pontevedra se estrena en ARCOmadrid_ 2010 con la presentación de la XXXI edición de su Bienal de Arte. La presentación, en el marco de la Feria de Arte Contemporáneo ARCOmadrid, manifiesta el elevado nivel alcanzado por el certamen. En palabras de Rafael Louzán, Presidente de la Diputación de Pontevedra, la calidad de la oferta creativa que ofrecerá la Bienal obliga a "dar un paso más en su proyección y a estar presentes en esta plataforma imprescindible para el arte contemporáneo que es ARCOmadrid". Durante la presentación, Rafael Louzán ha estado acompañado del Vicepresidente de la Diputación de Pontevedra, José Juan Durán, y del Comisario de la Bienal, Santiago Olmo. Al acto también han asistido la embajadora de Guatemala en España, Anamaría Diéguez y la Vicepresidenta Segunda del Congreso, Ana Pastor, entre otros.

La Bienal de Pontevedra, que arrancará el próximo 2 de junio en la capital de las Rías Baixas, se centrará en esta ocasión en los países de Centroamérica y el Caribe, bajo el título 'UT(R)ÓPICOS'. El nombre es el resultado de la unión de los conceptos Utopía y Trópico, con el objetivo de subrayar, según Rafael Louzán, "la conexión entre un espacio geográfico y los proyectos de transformación, emancipación y modernidad que, desde ese espacio, se fueron produciendo". De esta manera, el certamen buscará resaltar el papel que tuvo y que todavía tiene Pontevedra como puente entre culturas y civilizaciones. La primera de las seis exposiciones en las que se articulará la Bienal, titulada 'Ida y Vuelta' cubrirá precisamente la relación histórica entre Galicia y la región centroamericana y caribeña. Esta exposición presentará obras de artistas como Castelao, Arturo Souto o Maruja Mallo. La siguiente exposición "El aguacero, la siesta, el cañaveral, el tabaco" toma el nombre de una cita del poeta Virgilio Piñera y será una muestra de temas asociados al trabajo y la economía, bajo la batuta de las revoluciones de Cuba y Nicaragua y de los discursos post-coloniales.

Sin embargo, las referencias a las relaciones históricas y al pasado migratorio que unió para siempre a ambas regiones, serán tan sólo una introducción para las interesantes creaciones contemporáneas. Las demás exposiciones: 'Migraciones-Mirando al Sur', 'Fricciones', 'Archiv-acción' y 'Tras-misiones', pondrán de manifiesto la fuerza de las creaciones de artistas actuales en una gran diversidad temática y de soportes. Como apunta el comisario de la Bienal, Santiago Olmo, "la Historia no es algo ajeno a la contemporaneidad, y la contemporaneidad forma parte de la Historia". En el marco de la Bienal, tendrán cabida tanto las creaciones cinematográficas, articuladas a través del Ciclo de Cine organizado de forma paralela en el Museo de Pontevedra y en Vigo MARCO, como la teoría del arte y la producción, a través de una serie de conferencias y mesas redondas.

Pontevedra se convertirá, durante los meses de junio, julio y agosto, en un importante núcleo artístico en el que se buscará subrayar la importancia del arte como herramienta esencial del conocimiento. La Bienal contará con la participación de la Fundación Rosón de Arte Contemporáneo, que acogerá un proyecto de la artista cubana Tania Bruguera, y de la Facultad de Bellas Artes y Escuela de Restauración de Pontevedra, que convertirá el certamen en el centro de trabajo de sus estudiantes. Por último, el área portuaria de Vilagarcía de Arousa acogerá diversas intervenciones de carácter público que tendrán como objetivo un cambio en el paisaje urbano. "Una Bienal produce obras efímeras", como apunta Santiago Olmo, y se buscará incluir esas obras en el paisaje urbano para acercarlas al público y otorgarles un carácter de intemporalidad.

Eurojazz 2010 en el Museo Reina Sofía



Dentro de la programación cultural de la presidencia española de la Unión Europea, se ha organizado el festival Eurojazz 2010, que se celebra en diferentes espacios culturales de Madrid. El Club de Música y Jazz San Juan Evangelista lo acogerá entre el 26 de febrero y el 26 de marzo, mientras que el Museo Reina Sofía lo hará entre el 6 y el 29 de abril. Una última actuación tendrá lugar el 26 de junio en el Escenario Puerta del Ángel de Madrid, dentro del programa Europa en Vivo.

El jazz no pertenece solamente a América: Europa es un continente de jazz. En palabras del director artístico Luis Martín, “Eurojazz 2010” -que es un proyecto compartido con los dos países que sucederán a España en la Presidencia europea, Bélgica y Hungría-, “busca relacionar el lenguaje del jazz con la identidad cultural europea en su programación”. El Club de Música y Jazz San Juan Evangelista y el Museo Reina Sofía han sumado esfuerzos para mostrar el jazz más actual.

A la llamada acuden formaciones que actúan por vez primera en España: los escandinavos Terje Rypdal y Bobo Stenson y la banda húngara Djabe. El European Jazz Ensemble, Louis Sclavis y Nils Wogram son tres ejemplos señeros del jazz de avanzada de mayor pegada continental.

José James y el Portico Quartet son el toque multicolor que llega desde Inglaterra, representativos de la confraternización que el jazz busca desde hace tiempo con los mundos del pop y el soul. El proyecto “De Aquí”, del baterista Carlos González, y el nuevo trío del pianista Iñaki Salvador (Posé-Salvador-Roper Trío) son las propuestas locales más valiosas.

Hay, asimismo, pianistas de alto nivel. El italiano Enrico Pieranunzi es la memoria revivida de unas formas de siempre y ahora en el piano. Su opción por un formato en solitario contrasta con la del maestro italiano Stefano Bollani, que esta vez actúa en formulación de trío. Rita Marcotulli, también italiana, ha sido solicitada durante toda su carrera por los más importantes músicos foráneos para formar parte de sus formaciones.

Completan cartel el trío multinacional del pianista sueco Martin Tingvall. Tingvall, al frente de su trío, ya se ha destacado como el pianista inspirado y lúcido capaz de plantar cara a alternativas estadounidenses como las representadas por Brad Mehldau y Ethan Iverson, y hacer prolongación de la exquisita técnica del desaparecido Esbjörn Svensson. Por último, se contará con la presencia de todo un icono del jazz europeo: el artista belga Philip Catherine.


Paolo Minelli y Dino Bruzzone, Fotografías de la Memoria Deshabitada en la Fundación FiART



L.M.A.

La Fundación FIArt presenta la exposición Memoria deshabitada, integrada por fotografías de los artistas Gian Paolo Minelli y Dino Bruzzone. A través de sus respectivas series “Cárcel de Caseros” e “Italpark”, ambos artistas reflexionan sobre el concepto de espacio como receptáculo de la memoria personal y colectiva.

Gian Paolo Minelli (Ginebra, 1968), artista suizo-argentino con una importante trayectoria internacional, presenta en la sede de la Fundación FIArt parte de la serie “Cárcel de Caseros”, donde retrata una prisión abandonada que rememora los tiempos de violencia social y criminal en Argentina. Por medio de un registro fotográfico sin efectos dramáticos, ni grandes contrastes de luz, el artista critica la perspectiva y el deterioro de la sociedad actual ante el olvido y el sentimiento de la negación. El espectador se convierte en el testigo silencioso del devenir de las almas que habitaron los interminables muros. De ellos hay rastros, huellas, pinturas cuyo significado desconocemos y que nos resultan conmovedoras. La obra de Minelli busca ser positiva, un rescate del ser humano en medio de las ausencias, un respeto total por la existencia y la libertad. En estas fotografías, la geometría se vuelve igualmente protagonista, como señal metafórica ante una búsqueda del equilibrio y, quizás, una justicia superior ante tanta desolación y abandono.

Gian Paolo Minelli ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Europa y América, destacando las siguientes: 2003 “Cárcel de los Caseros”, Museo de Arte Moderno Buenos Aires (Argentina); 2002 “Acqua”, Centro de Arte Contemporánea Ticino, Bellinzona (Suiza); 2003 “Ansia y devoción, imágenes del presente”, Fundación Proa, Buenos Aires (Argentina); 2002 “Global Priority” Jamaica Center for Arts, New York, (EE.UU); “Autorretratos”, Museum für Gestaltung, Zürich (Suiza)

Su obra forma parte de importantes colecciones entre las cuales están el Museo de Arte, Lugano (Suiza), Museo Arte Moderno Buenos Aires (Argentina), Musée des Beaux-Arts, Lille (Francia), Colección UBS, Lugano (Suiza), Colección Arte Banca del Gottardo (Italia), Fundación Suiza de Fotografía, Zürich, (Suiza), Colección del Comune di Chiasso, Lugano, Zürich (Suiza).

Dino Bruzzone (Paraná, Entre Ríos, 1965) presenta en FIArt parte de la serie “Italpark”, donde toma como punto de partida el parque de diversiones que funcionó en el centro de Buenos Aires, durante tres décadas (1960-1990). Ubicado en Retiro, cerca de las estaciones de trenes y autobuses, y ofreciendo como perspectiva el frente de la ciudad, se convirtió en un símbolo mítico para varias generaciones de argentinos. Después de documentarse y seleccionar imágenes de archivos de los juegos en el parque, determina qué elementos descartará y cuáles mantendrá (reflejos, sombras, personas, colores, árboles), con los que construye un modelo en escala. Por último, realiza la fotografía final, cuando hace la toma de la maqueta en su estudio. Algunas tomas son frontales, como desde el punto de vista de quien está decidiendo un juego; otras, como si la persona estuviese esperando que se reactive el juego para ingresar. En el equilibrio de lo artificial, el límite entre lo real y lo irreal, representa lo que se propone exteriorizar: una sensación, la inquietud. En “Italpark” una serie de contrastes entre la estética de la imagen y el contenido refuerzan el clima de tragedia para un espacio cerrado.

Dino Bruzzone ha realizado exposiciones individuales en Alliance Française de Buenos Aires, Santa Fe, Bahía Blanca, Córdoba y Mar del Plata (1997); en el Instituto de Cooperación Iberoamericana (I.C.I.) de Buenos Aires (1998); Kravets/ Wehby Gallery de Nueva York (2000) y expone Parque de diversiones en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2001) y la Galería Luis Fernando Pradilla de Madrid (2002), entre otros espacios.

Desde mediados de la década del 90 participa en numerosas muestras colectivas en el país y en el exterior. En 1999 es invitado para el envío argentino a la Bienal de Venecia y en 2000 a la Bienal de San Pablo, Brasil.

Además del Premio Braque (1995) gana el Premio Leonardo a la Fotografía (1998), el subsidio a la creación de la Fundación Antorchas (1998), el Premio al artista joven otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte y la beca del Civitella Rainieri Center de Peruggia (2001). Sus obras forman parte de colecciones privadas y públicas como las del Museo Castagnino de Rosario, del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile, del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y del Museo Nacional de Bellas Artes.

Marisa Rozalén, Cinturón Negro y experta en Coaching Deportivo


Julia Sáez-Angulo


Marisa Rozalén Castillo, tres veces Subcampeona del Mundo de Karate y siete veces Campeona de Europa es la primera mujer occidental que logra el Cinturón Negro 7º Dan de Karate.

En el área académica es: Licenciada en Ciencias de la Información, Publicidad y RRPP. Master en Programas de Intervención para el Desarrollo de Habilidades y Competencias, Habilidades Directivas por la Universidad Complutense de Madrid, departamento de Psicología Social, donde realiza también su doctorado. Experto Universitario en Psicología del Coaching, UNED. Tiene estudios de Gestión avalados por la Universidad de Seattle, Washington, EEUU y ha sido formada en el The Pacific Institute, Washington, organización dedicada a la formación en Management Leadership donde cursó sus seminarios, “Investment in Excellent.”

Su experiencia profesional en el área de la comunicación pasa por ser colaboradora y directora de varios programas de TV y en Publicidad Directora de Planificación y Medios.

Su aportación al mundo del deporte, además de los tres mil alumnos formados, ha sido la de Asesora de la Dirección General de Deportes de la Comunidad de Madrid durante diez años, donde se ocupó de la Detección de Talentos, el seguimiento de los Centros de Tecnificación, y la realización de diversos estudios de campo e investigación como por ejemplo la creación de un Programa de Coaching Deportivo dirigido a Deportistas de Alto Nivel.

En la actualidad además de dedicarse a la docencia del Karate, su pasión, ejerce como Coach ejecutivo, y de deportistas de alto nivel. Imparte conferencias en el área motivacional y de las Habilidades Directivas en Escuelas de Negocios como el IE Business School, o el MBA de Gestión del Real Madrid así como en distintas Universidades: Autónoma, Complutense, o Politécnica de Madrid.


¿Qué es el kárate para usted?

Un método de entrenamiento del cuerpo y también del espíritu, además de una forma de realización personal y profesional. Es un deporte muy estructurado pedagógicamente y muy completo donde puedes desarrollarte a nivel físico, psicológico e incluso si deseas profundizar en ello, a nivel filosófico y espiritual. En este sentido, resaltaría la gran influencia que tiene de corrientes como el Budismo, el Taoísmo o el Sintoísmo, quedando reflejado en los valores que nos son transmitidos por los grandes maestros japoneses.

A nivel físico es uno de los deportes mas completos que conozco, pues se trabaja el tronco y los miembros superiores e inferiores, de forma simétrica, con lo que se evita el riesgo de descompensación que tienen muchos deportes. También resulta eficaz para desarrollar el sistema cognitivo perceptual, la memoria, la concentración y los reflejos. Se memorizan cientos de técnicas y combinaciones, que dependiendo del nivel técnico pueden llegar a ser miles.

Gracias al Karate encontré en mi juventud una forma de realización personal. Como miembro del equipo Nacional de Karate sentí el orgullo de representar por todo el mundo a mi país, lo cual me permitió subir al podio durante doce años consecutivos, cosa que ansiaba desde pequeña con otro deporte, la natación. Eran los tiempos en que se fraguó en mí la motivación intrínseca, aquella que se debe no a recompensas externas como el dinero o los aplausos, sino a esa sensación interna de fluidez que hace que las dos mil horas de entrenamiento anual resulten casi un paseo. Es uno de los temas de los que hablo ahora en mis conferencias. Lo cierto es que el karate ha influido tanto en mi vida que podría estar hablando de ello horas y horas. Aún me falta mencionar mi otra pasión, enseñárselo a los niños.

El Karate algo más que un deporte

¿Qué aporta a la cultura deportiva?

El karate es mucho mas que un deporte. Favorece el desarrollo integral de la persona, a través de aspectos tan variados como el físico, el psicológico y el filosófico, educando en valores que trascienden al mero entrenamiento físico. Además que duda cabe, que en un momento de necesidad, puede servir como método de autodefensa, lo cual potencia la sensación de control, de seguridad y de autoestima.

Una peculiaridad que pocos deportes tienen, es que siempre se puede encontrar una nueva forma de progresión y nuevas metas que alcanzar. El logro del Cinturón Negro puede parecer un fin en sí mismo, el final del recorrido para los neófitos, pero en realidad es el comienzo de un largo camino en el que seguir profundizando y perfeccionándose hasta edades muy avanzadas. Para mi fue una gran satisfacción la obtención del 7ºdan, tras mas de 30 años de dedicación, pero desde luego que tengo mucho que aprender. Los grandes maestros tienen mas de 70 años y ostentan los danes (grados de cinturón negro) mas elevados, 9º y 10º. El Karate potencia la capacidad de aprendizaje continuo, algo que debería ser una constante en el ser humano.
Pero ahí no acaba todo, si uno desea profundizar en su componente filosófico, puede seguir aprendiendo, por ejemplo a “desaprender”, practicando esa mirada de niño, libre de prejuicios y condicionamientos, que permite captar un nuevo matiz, una nueva perspectiva de la realidad y ampliar con ello nuestra capacidad de percepción. O bien puedes entrenarte en esa otra forma de percepción que permite captar de una forma más rápida e instantánea el todo, sin detenerse a mirar las partes. Me estoy refiriendo en el plano físico a la visión periférica o espacial, pero también a esa otra forma de conocimiento que es la intuición. En Occidente tendemos a conceptuar todo con palabras y aquello que no podemos definir con el lenguaje, tendemos a pensar que no existe. Hay sin embargo otras formas de percepción.


¿Cómo está su nivel en España?

Tenemos un nivel excepcional especialmente en Katas, que es la modalidad técnica del Karate y tanto a nivel europeo donde siempre estamos entre los tres primeros puestos del podio como a nivel mundial, que nunca bajamos del quinto. España ha sido varias veces Campeona del Mundo y eso no es nada fácil, pues compiten mas de 100 países. En cuanto al número de afiliados a la Federación Española de Karate, en este momento está aumentando. Es una pena que no se conozca mejor este deporte, pues en cuanto empiezas a practicarlo te engancha.


¿Qué año ganó usted internacionalmente y qué recuerdos tiene?

Mi primer campeonato del mundo fue en el año 1980 y se realizó en Madrid, el último la Copa del Mundo en Japón hacia el año 1992. Fueron doce años consecutivos en el podio nacional, europeo o mundial, así que los recuerdos aunque podrían ser muchos, tengo que confesar que lo que vivo más intensamente son mis metas futuras más que mi pasado. A él solo recurro para aprender de los errores y cuando necesito una pequeña dosis de esa tranquilidad que me dan los logros conseguidos. Ello me permite centrarme en mis propias metas independientemente de su magnitud y evitar el establecerlas por comparación con los otros o por influencia de las expectativas del entorno. Sin embargo uno de los momentos que más me impactó fue la ceremonia de entrega de trofeos en el Campeonato del Mundo de México. Precisamente no obtuve medalla, competía junto con mis dos compañeras del equipo nacional. Al parecer nuestra ejecución fue muy buena pero los jueces no lo juzgaron así y quedamos en cuarto lugar, es decir, a las puertas del podio. El público mexicano interrumpió la ceremonia durante casi media hora gritando el nombre de España, pataleando de forma estruendosa sobre las gradas metálicas hasta conseguir que las componentes del equipo americano se bajaran del podio para hacernos sitio a las españolas. Mis compañeras lloraban desconsoladamente y las tres acabamos dando la vuelta al ruedo, como los toreros, para agradecer el gesto al público que abarrotaba las gradas. En aquella ocasión el oro fue para Japón, la plata para U.S.A y el bronce para Italia. Ese hecho marcó un antes y un después en la clasificación de España en los Campeonatos del mundo. Seis meses después en la Copa del Mundo de Japón quedamos Subcampeonas del Mundo y ese puesto fue ya una constante durante los seis años siguientes.

¿Qué satisfacción le da la docencia del kárate?

Es otra de mis pasiones y a la que dedico una gran parte de mi jornada laboral, que es de siete días de la semana, pues incluye las clases que dirijo los sábados y domingos en el club de Tenis de la Moraleja. Es algo común en la termodinámica catalogar el trabajo como toda transferencia de energía que no sea en forma de calor. Pues bien, para mí la docencia de este deporte y muy especialmente el trabajo que hago con los niños, en realidad casi no supone un trabajo, gracias a la ilusión, la motivación, y el calor que ellos me transmiten, y que yo seguramente, en una pequeña parte también les devuelvo. Si bien es cierto que es necesario desplegar una gran cantidad de energía, tengo la misma sensación de fluidez que experimentaba cuando las dos mil horas de entrenamiento anual pasaban como un suspiro.
Espíritu deportivo: Competir en igualdad de condiciones

¿Cómo definiría usted el espíritu deportivo?

Espíritu deportivo es desear competir en igualdad de condiciones con el oponente usando solo la propia habilidad y rechazando estratagemas ilegales o violentas. Espíritu deportivo es aceptar la victoria con modestia y la derrota con dignidad, sabiendo reconocer la buena actuación o los resultados del rival. Es en cierto modo un catalizador de la sana competencia o competitividad, pero encuentro muy difícil la definición de un concepto que engloba múltiples valores como el compromiso, la perseverancia, el esfuerzo y espíritu de superación, el compañerismo y el respeto por el oponente. Así que, si me lo permite, utilizaré a modo de resumen los valores que nos transmitieron los grandes maestros japoneses de Karate, algunos de ellos emparentados con ancestros samuráis y que aún en la actualidad se transmiten en cada “Dojo” o gimnasio. Los valores del Bushido o Camino del Guerrero son:
El Coraje, el Honor, y la Verdad. La palabra de un Samurái tenía el equivalente europeo de “la palabra de un caballero” y estaba íntimamente ligada al concepto de Honradez.
La Rectitud entendida como el deber, la justicia, la defensa del débil o la acción correcta sin engaño hacia los demás.
La Piedad o Benevolencia ante el dolor ajeno incluso el que se deriva de la derrota del oponente.
La Cortesía y el más profundo respeto hacia el contrario.
La Lealtad hacia el estamento superior pero también hacia el clan, hacia la familia, los amigos, o los aliados.
El espíritu de superación mediante el entrenamiento no solo del aspecto físico sino también del mental.
Y por último el Autocontrol entendido como estoicismo y también como serenidad ante la adversidad y control de las emociones.

¿Cómo ve el panorama deportivo u olímpico en la materia del kárate en España?

De todos los deportes federados es el que mas medallas europeas y mundiales aporta al medallero.

El Karate ha estado a las puertas de ser olímpico en dos ocasiones. En la última había siete deportes candidatos a entrar, encabezaba las votaciones el Golf y el Karate se disputaba el segundo puesto junto al Rugby que finalmente le ganó la partida, pues solo accedían dos de los siete. Sin embargo paradójicamente el Karate junto con el Fútbol es el deporte que en el mundo más Federaciones Nacionales aporta. Más de 100 países compiten en el Campeonato del Mundo y cerca de 40 en los Campeonatos de Europa. La Federación Mundial de Karate está dirigida por un español Antonio Espinós.
Cursos de liderazgo y eficacia

¿Y los cursos de liderazgo que ofrece en qué consisten?

Son conferencias relacionadas con el área del Management y las Habilidades Directivas, pero incorporo también conceptos y experiencias del deporte de elite.

En este momento me estoy centrando en la Auto motivación a través del Establecimiento de Metas. Uno de los conceptos que desarrollo es el del fomento de la Auto-Eficacia, Teoría del profesor Albert Bandura de la Universidad de Stanford, que tiene un papel decisivo en el bienestar y la productividad personal. El postulado esencial es que las creencias subjetivas de autoeficacia determinan el logro y la magnitud de las metas que se establecen las personas, influyendo en la cantidad de esfuerzo y el grado de perseverancia que aplican para conseguirlas. Está comprobado que a igual capacidad obtienen mejores resultados las personas que se juzgan capaces.

Por otro lado ofrezco servicios de Coaching o asesoramiento personalizado a directivos y deportistas de alto nivel. En estas sesiones se pretende potenciar la autogestión a través de la introspección para detectar puntos fuertes y débiles, eliminar creencias limitadoras y establecer objetivos mediante un plan de acción. El coach no le entrega información al cliente o le dice lo que tiene que hacer pero si que contribuye a que este incremente el nivel de información que procesa, aumentando su nivel de conciencia para establecer los objetivos y también para detectar los recursos o la información relevante que le conduzca a la meta. En el ámbito de las organizaciones se trata generalmente de objetivos relacionados con las habilidades directivas como la gestión del tiempo, la dirección y motivación de equipos de trabajo, la resolución de conflictos, la negociación, la comunicación interpersonal, etc… o bien desarrollar algún otro tipo de habilidad cognitiva, emocional o social.

¿Son una cuestión de espíritu de competencia o superación?

Quizá la respuesta se encuentre más próxima al espíritu de superación o al intento premeditado de equilibrar facetas existenciales, que al espíritu de competencia. En cualquier caso competir con uno mismo es un reto mucho mayor que hacerlo contra otros, pues a estos es fácil ganarles, basta con saber elegir el rival. Las metas personales nunca deben establecerse por competencia o comparación con los otros, sino que son el resultado de una mirada hacia el interior, deberían ser siempre fruto de la introspección. Yo soñaba de pequeña con tener poderes paranormales para influir sobre las cosas y probablemente sobre las personas, así que la publicidad primero, y después la psicología del alto rendimiento, ya sea en el ámbito deportivo o en el de las organizaciones, fue lo más parecido que encontré y en ello me formé durante quince años. En el fondo de la cuestión se trata de nuevo de otra pasión, pero antes de saber si merece la pena embarcarse en ella es necesario preguntarse el porqué, el para qué de ese sueño, porque a veces tras el análisis pierde el sentido o se ve que en realidad no es el sueño propio.

Exposición Fortuny, el creador del Delphos, en el Museo del Traje



Julia Sáez-Angulo


Los fondos textiles de Fortuny constituyen uno de los activos más importantes del Museo del Traje. Junto a Cristobal Balenciaga, Pedro Rodríguez, Manuel Pertegaz y Elio Berhanyer, forman el quinto de señeros nombres españoles en la alta costura. La exposición de Fortuny estaba por hacer en el Museo y ha llegado ahora con una muestra esplendorosa, patrocinada por la Subirección General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Cultura.

La muestra presenta un total de 130 piezas entre las que además de textiles se insertan cuadros, grabados y fotografías que proceden de la institución cultural que la acoge, del Museo del Prado, de la Fundación Fortuny de Venecia y el Museo Fortuny de la misma ciudad de los canales.

Los objetivos de la exposición son mostrar al gran público la actividad polifacética de este gran creador en campos tan diversos como pintura, grabado, escenografía, luminotecnia, fotografía, diseño textil y moda.

Nacido en una familia de artistas, los Fortuny y los Madrazo, el artista que nos ocupa fue más allá de su padre, Mariano Fortuny, en el sentido de que logró colores especiales para su pintura y para el entintado de sus telas fabricadas con mimo, exigencia y secreto de proceso.

La estampación extraordinaria de terciopelos, sedas y algodones le hicieron merecedor de su fama de exquisito. Su amor por lo antiguo le llevó a reinterpretación de tipos y modelos, hasta con un toque de envejecimiento sin ánimo de falsear la realidad sino de añadir la poética de lo vetusto a sus creaciones.

Su trabajo como diseñador y artista fue reconocido en vida; sus telas planas y sus trajes se valoraban como si vinieran directamente del tesoro de un cofre oriental. Fortuny era un artista-artesano con un sentido prodigioso de la estética. La belleza de sus creaciones la elogiaban las mujeres más elegantes del momento. Fortuny era creativo y excelso.

La entrada de la exposición rinde un homenaje a la familia con el cuadro “Los hijos del pintor, María Luisa y Mariano, en el salón japonés”.

El Delphos como gran creación de fiesta

El vestido Delphos , un vestido-túnica inspirado en el chitón jónico y elaborado a partir de cuatro paños de tela plisados y unidos entre si por minúsculos cristales de Murano es una particular creación de Fortuna y aparecen varios ejemplares en la muestra.. Su sencillez y su perfección no solo le hizo objeto de deseo de mujeres como Isadora Duncan o Peggy Guggenheim sino que supuso todo un posicionamiento conceptual sobre la revolución femenina del siglo XX, además de ser el único diseño de moda que a lo largo de la historia se ha considerado una autentica obra de arte. Junto a estas piezas ánforas y relieves griegos que dan idea de la vestimenta al estilo del Delphos de Fortuny.

En la exposición, a pesar de la excesiva oscuridad del montaje por motivos de conservación, el visitante puede contemplar algunos ejemplos de las obras más relevantes de Fortuny, como por ejemplo el Knossos, un fantástico fular confeccionado en gasa de seda y decorado con los motivos típicos de la cerámica cretense, que causó gran sensación en la época siendo citado incluso en algunos de los textos de intelectuales como Proust, D’Annunzio o Hartley.

Además de los fantásticos vestidos, la exposición muestra el resto de disciplinas en las que Fortuny volvía a mostrarse como un auténtico genio, como por ejemplo en la serie de grabados inspirados en las operas de Wagner, o en las fantásticas fotografías panorámicas de Venecia, una Venecia en la que a pesar de sentirse profundamente español Fortuny paso la mayor parte de su vida y que influyo decididamente en su estilo.

Quizás una de las facetas más desconocidas y recuperadas por esta exposición fuese su trabajo como escenográfo, en el que además de diseñar un fantástico vestuario para obras como Otelo, el cual influiría decisivamente en la película homónima de Orson Wells, Fortuny fue un paso más allá innovando el mundo de la luminotecnia teatral gracias a su famosa “Cúpula Fortuny” un procedimiento de iluminación escénica por luz indirecta que revolucionó la puesta de escena teatral.



Inspiraciones. Mariano Fortuny y Madrazo
Museo del Traje. CIPE. Madrid
Avda de Juan de Herrera, 2. Madrid
Comisario Eloy Martínez de la Pera Celada
Del 11 de febrero al 27 de marzo de 2010

Yael Bartana, ganadora del premio ARCO40 Häagen-Dazs. Accésits: Claire Harvey y Rebeca Menéndez



L.M.A.


La obra The Missing Negatives of the Sonnenfelds collection de la creadora israelí Yael Bartana - presentada por la galería ANNET GELINK - ha ganado la primera edición del premio ARCO40 Häagen-Dazs, cuya ceremonia de entrega se ha celebrado en ARCOmadrid.

Presidido por Jaime Meléndez, director de marketing de Häagen-Dazs, el acto contó con la presencia Soledad Liaño, coordinadora de exposiciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y presidenta del jurado; así como de la galerista Annet Gelink, quien recogió el premio en nombre de Bartana.

En esta primera entrega también se concedieron dos accésits a las piezas ST de la asturiana Rebeca Menéndez, representada por la galería ESPACIO LÍQUIDO; y el proyecto ST de la británica Claire Harvey, propuesta por la sala MAISTERRAVALBUENA.

El proyecto ganador se compone de 22 fotografías en blanco y negro, de las cuales cuatro están expuestas en el stand de Häagen-Dazs del programa ARCO Instituciones ubicado en el pabellón 6 de la Feria de Madrid. La artista, que ha obtenido 15.000 Euros, vive y trabaja a caballo entre Jerusalén y Amsterdam, ciudades donde se ha formado y ha desarrollado buena parte de su producción creativa. Es licenciada en Bellas Artes por la Bezalel Academy of Arts and Design de Jerusalén, Yael Bartana se ha formado también en la Rijks Akademie van Beelden de Kunsten en Ámsterdam y en la escuela de Artes Visuales de NuevaYork.

Junto a la pieza ganadora, el público del certamen también podrá admirar hasta el próximo 21 de febrero las otras dos obras. Además de estas piezas, los visitantes también podrán expresar sus emociones a través de una pantalla táctil que, a modo de lienzo en blanco, invita a dibujar y crear una obra de arte inspirada en las emociones. Sin duda, una propuesta en consonancia con el espíritu de este premio, la búsqueda de la emoción a través del hecho creativo de jóvenes artistas.

La organización ARCOmadrid ha celebrado la calidad de todas las obras recibidas, firmadas por algunos de los creadores con más proyección internacional y todas ellas auténticas experiencias sensoriales, referentes del arte emocional que propone el Häagendaismo, 'una corriente de vanguardia que busca lo absoluto en su forma más pura: la emoción'.

La información relativa a la segunda entrega ya se puede consultar en www.haagendaismo.org, la web del certamen y una plataforma de promoción para los nuevos artistas y para fomentar el arte como forma de vivir.

jueves, 18 de febrero de 2010

Auschwitz, Una lectura etnográfica de los campos de los campos de exterminio

"En el corazón de la zona gris"
Paz Moreno Feliu
Editorial Trotta
Barcelona, 2010


L.M.A.


Coincidiendo con la conmemoración del 65 aniversario de la liberación del campo de exterminio de Auschwitz, se publica en Editorial Trotta En el corazón de la zona gris. Una lectura etnográfica de los campos de Auschwitz, de Paz Moreno Feliu.

La obra se basa en los testimonios que los supervivientes de los campos han transmitido sobre el día a día de aquel mundo devastado y busca reintegrar en una visión de conjunto esas memorias fragmentarias, reconstruyendo el conocimiento que sus experiencias encierran. Ese mundo en el que, en palabras de Primo Levi, “uno se veía precipitado” y que, además de “terrible”, resultaba “indescifrable”, es aquí abordado desde una perspectiva antropológica que ilumina la “zona gris” de las relaciones sociales que surgieron a la sombra de las chimeneas. El resultado no es una descripción abstracta que se añadiera a las reflexiones generales ya existentes sobre el genocidio, sino una exposición de la cotidianeidad excepcional a la que se vieron forzadas las víctimas: los rituales de paso que presidían la deshumanización progresiva de los prisioneros, la economía política del tiempo, las jerarquías y la organización del campo o la circulación de bienes.


“La vida en Auschwitz era una cuestión de «organizar», de solucionar las necesidades desnudas cuando las encontrases. Si tomábamos algo, debería ser de los muertos. ¿Para qué le servían sus ropas o sus raciones a los muertos? Mi madre en el hospital tenía muchas oportunidades para coger pan o una ocasional loncha de queso o de salchichón de un cadáver. [...] Robar a los vivos o a los semi-vivos era acelerarles el camino hacia la muerte. «Organizar» las reliquias de los muertos era adquirir material que ayudaba a mantener vivos a los vivos, a respirar a los semivivos con la suficiente fuerza para que sobreviviesen hasta que se abrieran las puertas a un mundo exterior más libre y más apacible (Hart, 1981: 71).” (En el corazón de la zona gris. Una lectura etnográfica de los campos de Auschwitz)

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El Arte como imagen pública personal o corporativa



L.M.A.


El Colegio de Mediadores de Seguros de Madrid ha organizado un programa de actos con motivo del ejemplar número 100 de la Revista Seguros, entre ellos una mesa redonda sobre “La importancia de la imagen” en la que participaron la actriz Alicia Borrachero, el sociólogo Amando de Miguel, la crítica de arte Julia Sáez-Angulo y el magistrado Ángel Alonso. La mesa y el coloquio fueron moderados por Jesús Martínez, editor del diario “Expansión”.José Luis Nieto, presidente del Colegio de Madrid, cerró el acto con agradecimientos a las compañías e instituciones que apoyan la mediación.

Julia Sáez-Angulo enfocó su intervención sobre el arte como imagen pública, personal o corporativa y, entre otras cosas, dice:

"Desde antiguo, el poder ha buscado y creído en el arte como imagen del poder. El gran dibujo del Cortejo del Emperador Maximiliano, que se conserva en la Biblioteca Nacional de España, es un testimonio clásico y ejemplo de cómo el Emperador quería dejar plasmada su imagen ante los ciudadanos y el futuro de la Historia. Lo ha conseguido.

Recurrir a los artistas para inmortalizarse en una escultura o un retrato era algo habitual en la Roma Imperial. En tiempos de escasez se reutilizaban las estatuas con las túnicas o peplos y tan solo se cambiaban las cabezas de mármol que se sobreponían a ellas.

La Arquitectura es sobre todo y ante todo la imagen del poder que ha de buscar su representación en la solidez, la riqueza y o la potencia -el poderío- frente al común de los mortales, los súbditos o ciudadanos. En diferentes etapas históricas, el poder civil y el religioso competían en altura de edificio con sus torres. A veces se superponían y también cobijaban al pueblo en los castillos feudales o iglesias fortaleza.

Hoy en día la gran arquitectura, la arquitectura de honor la ostentan los nuevos museos de arte contemporáneo, bien sea en ejecuciones de nueva planta o en rehabilitadores espectaculares de edificios. Ahí están los hombres de Norman Foster, que ha hecho la Torre Caja Madrid en la zona; el holandés Herzog en CaixaForum Madrid; Richard Meier en el MACBA; Oscar Niemeyer hizo Brasilia y el próximo gran complejo cultural en Avilés o Santiago Calatrava y Félix Candela en la Ciudad de las Ciencias y las Artes.

La Arquitectura como imagen pública

No hay compañía de Seguros o Banco que se precie que no ofrezca una arquitectura firmada por uno de los nombres de arquitectos más relevantes del siglo XX. La Arquitectura es el arte clave de manifestar el poder o sus extensiones económicas, culturales, sociales, etc.

Si pasamos al capítulo de Coleccionismo de Arte, se sabe que el coleccionista, en líneas generales busca, por un lado, el placer o la pasión de las piezas artísticas y, después, el deseo de compartirlas con un número más amplio de espectadores bajo su propio rótulo como coleccionista. La exposición ha de hacerse mediatizada por un Museo o un Centro Cultural que normalmente pertenece a los poderes políticos y económicos.

De igual modo que el antólogo es el autor de la Antología de poemas o de los textos literarios, el coleccionista de arte es autor del “conjunto” de piezas que pone a dialogar dentro de su contexto cronológico, estético, estilístico, etc. Hay colecciones articuladas en torno a la figuración, la abstracción , la fotografía, el arte povera o en torno a un grupo generacional como puedan ser las vanguardias históricas, radicales, por décadas como la de los 80, etc

El coleccionista de arte tiene deseos de futuro para su colección y su nombre adjunto a ella. Véase el caso del Barón Thyssen-Bornemisza, que hizo lo posible para dejar la suya reunida tras una serie de negociaciones con distintos Estados. Su colección figura hoy con su nombre en el Palacio de Villahermosa frente al Museo del Prado. Su esposa, Carmen Cervera, quiere hacer lo mismo con su colección que gira en torno al siglo XIX.

Coleccionismo y presencia junto al poder

Los coleccionistas, como muchos mecenas o patrocinadores, saben que su gesto o acción puede suponerles un acercamiento al poder. Los directores de los patronatos de los grandes Museos del Prado y del Reina Sofía están presididos por coleccionistas de arte como son el empresario Plácido Arango y la Doctora Pilar Citoler.

El mecenazgo artístico es también o puede ser fuente y maniobra de acercamiento al poder por excelencia que es el político. La mayoría de los Bancos y Cajas de Ahorro patrocinan exposiciones, fundaciones o crean museos. Igualmente los empresarios como en el caso del Museo Patio Herreriano en Valladolid crearon un museo que alberga la colección adquirida por un grupo de empresarios españoles sobre arte español fundamentalmente de los 80.

El arte, la estética, vende imagen. Lo hace la moda que es también diseño y creación artística. Lucir un vestido o traje con marca de diseñador en la entrega de los Premios Goya, por ejemplo, es clave para ser reseñados en la prensa, radio o la TV.

Adquirir una casa con portal representativo, es importante para guardar o mostrar un estatus de posición o elegancia. Es una de las primeras cosas que subrayan las firmas inmobiliarias en sus anuncios.

Tener un retrato pintado, modelado o esculpido por un buen artista también es susceptible de imagen si se da a conocer y se facilita o presta para exposiciones.

El arte es un revestimiento de valor en riqueza, belleza y buen gusto, al que demanda o admira la opinión pública"


Los Príncipes de Asturias inauguran ARCO en los pabellones de IFEMA



L.M.A.


La Comunidad de Madrid participa en la nueva edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO 2010 con un stand dedicado a los Premios de Cultura en su apartado de fotografía. Así lo han podido comprobar ayer, durante la inauguración de la feria, SS.AA.RR. los Príncipes de Asturias, la Ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, la viceconsejera de Cultura de la Comunidad de Madrid, Concha Guerra, y la directora general de Archivos Museos y Bibliotecas, Isabel Rosell.


En el stand del Gobierno regional, situado en el pabellón 6 de IFEMA, se presenta la obra de los nueve artistas distinguidos con este galardón: Luis Baylón (2000), Ramón Masats (2001), Juan Manuel Castro Prieto (2002), Ouka Leele (2003), Alberto García-Alix (2004), Cristina García Rodero (2005), Isabel Muñoz (2006), Pierre Gonnord (2007) y José Manuel Ballester (2008). Sus obras tienen un lugar destacado en la colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid, cuya sede es el CA2M-Centro de Arte Dos de Mayo, situado en Móstoles.


Autobuses gratuitos entre ferias

Además, la Comunidad de Madrid ha habilitado, por primera vez, unas líneas de autobuses gratuitas que conectan entre sí las cinco ferias que abren sus puertas estos días de manera simultánea, y que acercan todo el panorama artístico actual a visitantes, galeristas y compradores, situando a Madrid, un año más, en el epicentro del mercado del arte: ARCO (IFEMA), Art Madrid (Pabellón de Cristal de la Casa de Campo), DeArte (Palacio de Congresos de Madrid), Flecha (Centro Comercial Arturo Soria Plaza), y la recién creada JustMadrid (La Lonja y la Nave de Terneras en el distrito de Arganzuela). En estos vehículos, que están operativos desde ayer hasta el 21 de febrero para facilitar el acceso a todos los visitantes que lo deseen, puede verse el eslogan MirARTEnMADRID, la mayor exposición de arte contemporáneo, mensaje que también se podrá escuchar en anuncios de radio y ver en medios impresos y vallas de Metro, y con la que se quiere atraer la atención sobre esta importante semana cultural en la región madrileña.


Igualmente, los visitantes a la feria podrán comprobar la oferta expositiva programada en las salas dependientes de la Comunidad: Los Angeles de Julius Shulman, en la Sala Canal (C/ Santa Engracia, 125), y la muestra Los Libros, de Ed Ruscha, y la proyección del vídeo Brambilla. Civilization (Megaplex), 2008, en la Sala Alcalá 31, en Madrid.


Por último, el Gobierno regional, en colaboración con Metro y el Ayuntamiento de Madrid, ha editado un folleto con la localización de las actividades que se reparten por toda la ciudad a cargo de ferias, galerías, museos y salas de exposiciones, que será distribuido en estaciones de la red de Metro, hoteles, galerías y oficinas de turismo.

Alberto Bañuelos, escultor de la deconstrucción en la piedra

Alberto Bañuelos
Galería Salvador Díaz
Sánchez Bustillo, 7. Madrid
Febrero-Marzo, 2010




Alberto Bañuelos




Julia Sáez-Angulo


        La piedra, material noble donde lo haya, la abordan los menos escultores y los más puros y audaces, Alberto Bañuelos entre ellos. Actualmente el escultor expone sus últimos trabajos en la galería Salvador Díaz, una reconstrucción de la piedra natural, en su mayoría canto rodado o granito, que el autor vuelve a reconstruir de manera prodigiosa en piezas escultóricas que abordan formas arquitectónicas o naturales, que en algunos casos hasta se acercan a la apariencia floral.

Alberto Bañuelos (Burgos, 1949), residente en Madrid, uno de los escultores más coherentes en su trayectoria, expuso recientemente en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) una muestra –conmemorativa de sus 25 años de trabajo- titulada “La liturgia de las piedras”, en la que llevó a cabo una gran instalación en espiral con la pieza homenaje al prematuramente desaparecido Robert Smithson, que trabajaba a orillas del Gran lago Salado de Utah (Estados Unidos de América) su gran obra “Spiral”. La pieza de Bañuelos fue adquirida por el IVAM.

Bañuelos ha querido exponer en esta ocasión coincidente con ARCO, además de sus obras, su laboratorio de ideas, su proceso creativo en suma, a base de mostrar en vitrinas sus bocetos y maquetas que hablan de modo elocuente sobre las distintas propuestas llevadas a cabo, antes de elegir la forma definitiva. Esta indagación se aprecia de manera clara en el panteón a su padre y su familia: un hermoso juego de piedras que conforman una cruz abierta en el aire. Las maquetas en cubos no funcionaban con la verticalidad que requería la cruz y se optó por el paralelepípedo..

Maderas, escayolas, cartones, papeles o pequeños trozos de mármol muestran al espectador las distintas formas que la escultura puede ocupar en el espacio. El autor ha trabajado anteriormente con mármoles yugoslavos o de Carrara, en la piedra cristalina de Calatorao (Aragón) que parece casi mármol, en granito de Zinbabue, se decanta ahora de manera clara por la gran piedra de canto rodado, dura como el pedernal, sin olvidar el granito. Los toques de suavidad contrastan con la rugosidad del exterior de la piedra.

El interior de las piedras como parte de la escultura

El escultor en su de-construcción de la piedra quiere mostrarnos su interior, la belleza de su tacto en brillo, mate o rugosidad, según proceda el pulimento o bruñido. La escultura está igualmente dentro de los materiales, parece decirnos Bañuelos al dejar vacíos interiores de luz que juegan a mostrar habitables los espacios internos.

Algunas de las obras parecen yelmos o cabezas que provocan un diálogo con la mirada atenta a la forma. Muchas de estas piezas tienen vocación monumental aunque funcionen a la escala mostrada.

El autor expone también sus denominadas “Llaves”, esculturas verticales en granito de Zimbabue, especie de columnas o chimeneas de gran belleza. El autor habla de los materiales con conocimiento profundo: “el alabastro cuando lo pules parece piel. Las lascas de alabastro cuando se ponen al sol se pone rosa y ofrece unas transparencias soberbias para hacer esa especie de yelmos”.

El pintor sevillano Luis Gordillo, residente en Madrid, expone también un gran cuadro en la parte superior de la galería Salvador Díaz, junto al proceso de investigación de bocetos antes de decidirse por el cuadro definitivo.


Hipatia, la filósofa alejandrina más novelada del momento

“Ágora”
Marta Sofía
Novela
Booket. Planeta, 2009 (313 pags)




Julia Sáez-Angulo


Película criticada por su discutible rigor histórico y premiada con varios Goya por la Academia del Cine Español, “Ágora” es, en todo caso, una película claramente taquillera y mimada por el poder del Gobierno de Zapatero que aterrizó con la cúpula y varios ad látere a la inauguración de la misma. Marta Sofía presenta en Booket su novela “Ágora” con el rótulo “la novela basada en la película de Alejandro Amenábar”, cuando lo habitual es lo contrario: “la novela en que se basa la película”.

La autora, Marta Sofía (Madrid, 1977) se define como escritora autodidacta si bien se apoya en su múltiples lecturas y viajes para esculpir su perfil de narradora. Llevó a cabo algunos estudios de Historia en la Universidad de Zaragoza y actualmente reside en la Ciudad Condal, donde trabaja como editora.

No es el único libro en el mercado que ha narrado la vida de la protagonista: “Hipatia de Alejandría” de María Dzielska en la editorial Siruela, es uno de los libros sobre ella “Hipatia. La estremecedora historia de la gran filósofa de la Antigüedad” de Clelia Martínez Maza en la editorial “La Esfera de los Libros” es otro, entre otros como "El sueño de Hipatia" del autor egabrense José Calvo Poyato, publicado por Plaza y Janés. "El jardín de Hipatia" de Olalla García es otro de los más interesantes y ha sido publicado por la editorial Espasa.

Hipatia ha quedado así canonizada, mitificada por visiones imaginarias, a veces seesgadas, que en nada esclarecen la realidad histórica de los sucesos en Alejandría y su célebre Biblioteca de la antigüedad en el siglo IV. Quizás se deba a la contradicción existente en el concepto de novela histórica, que o es lo primero o es lo segundo, por más que algunos aleguen que en ella “son ciertos los hechos y falsos los sentimientos” que añade la narradora, algo que no siempre sucede.

En la Hipatia novelada por Marta Sofía, la filósofa alejandrina, con todos los ingredientes cinematográficos de hermosa, inteligente y tolerante, sostiene su presencia entre la peripecia amorosa de Orestes y su esclavo Davo, el trío necesario para un enredo amoroso que avive a su vez una polémica sobre maneras de ver el mundo, mostradas de modo maniqueo en la película de Amenábar: Antigüedad versus Cristianismo.

El libro de Booket se acompaña de preciosas fotografías en color de la película citada, así como de algunos dibujos que dejaron antiguos sabios como Apolonio y Ptolomeo.

miércoles, 17 de febrero de 2010

"Ellas crean", Mujeres en la palestra de ARCO y las Artes



L.M.A.


Coincidiendo con la propuesta expositiva en Madrid “Ellas Crean”, que participa en ARCOMadrid 2010, seis artistas mujeres exponen en el espacio Velázquez40: Paloma Porrero de Chavarri, Marta Maldonado, Gardenia Mayo, Blanca Orozco, Maica Nöis y Manuela Picó. La muestra, que permanecerá abierta hasta finales de marzo, ha sido comisariaza por Hilario Ranera.

En el acto de inauguración estuvieron presentes, entre otros, la escritora Elisa Mancini y sus editores italianos; el artista Álvaro Torroba; el marchante Christian Prevost; el abogado José Antonio Laguna; Borja Bass y Patricia Villalba, además de los socios de Velázquez40: Javier Hidalgo, Román Rodríguez y Alberto Díez.

La actuación de “Ellas crean” ha sido patrocinado por el Ministerio de Cultura y de Igualdad, así cmo por el colectivo de Mujeres en las Artes Visuales ( MAV ).

“Ellas Crean” esta presente por primera vez en ARCO, la feria madrileña de la vanguardia, con un stand comisariado por Yolanda Romero, presidenta de la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España (ADACE) y directora del Centro José Guerrero de Granada, en el que tres artistas con una carrera consolidada, Eulalia Valldosera, Dora García e Itziar Okariz, y una apuesta de futuro, Movalatex (Carmen Carmona), mostrarán sus performances entre los días 17 y 21 de febrero. El stand de Ellas Crean es el AI06, situado en el pabellón 6 de IFEMA. La idea de Yolanda Romero ha sido “articular un lugar más próximo a la acción que a la contemplación, un lugar en movimiento, cambiante, un lugar en diálogo con el público y donde éste pueda ser o sentirse implicado”.

Con Vigilancia, Eulalia Valldosera crea un diálogo recíproco entre quien observa y quien es observado, propiciando un juego de miradas en el que los roles se confunden. Valldosera pone en escena los tres elementos que componen la producción artística (el creador, la obra y el público) y los sitúa en el propio espacio expositivo, fuera del taller del artista, de manera que el espectador se convierte en parte activa de la performance, al tiempo que la artista lo convierte en plano cinematográfico, en obra. Vigilancia podrá verse el miércoles 17 a las 19 horas y el jueves 18 a las 12:00h.

Dora García presenta la acción Insulto al público, adaptación durante la cual incomoda e interpela al público, alterando sus expectativas y actitudes ante la obra de arte. Basada en la obra escrita en 1966 por Peter Handke Publikumsbeschimpfung, y de forma igualmente heterodoxa y provocadora, Dora García juega entre la guionización y la espontaneidad para poner de manifiesto la modificación de comportamientos y desestabilizar los convencionalismos de la institución arte, la figura del artista y la propia identidad del espectador. La acción de Dora García tendrá lugar el jueves 18 a las 19 horas.

Carmen Carmona, que trabaja bajo la marca y sello de artista Movalatex, presenta la acción ¡Movalatex en feria, en carnaval! En realidad, Movalatex funciona como entidad ficticia con objetivos artísticos, y posee tres radios de acción definidos: productos Movalatex, estrategias de mercado y propaganda. En esta performance la acción de la empresa Movalatex se define como sponsor y quiere reivindicar el folclore y la cultura social, a la vez que hace una reflexión sobre el espacio de comercialización del arte. Para ello recreará una caseta de feria de un pueblo de la campiña sevillana, en la que música, bebida y comida formarán parte del escenario de su propuesta, el viernes 9 entre las 13.30 y las 15.30 horas.

Por último, Itziar Okariz trabaja con esquemas básicos de comunicación -como saludos y despedidas-, desarticulándolos en la acción How d ’ye do? Utiliza tanto las palabras en cuanto signos como texto, como la voz y el tono, configurando una atmosfera en la que se genera una relación imposible entre audiencia y artista. La performer parece repetir algo que escucha y a lo que el espectador no tiene acceso, y es el propio proceso de repetición y desincronización lo que finalmente desencaja la acción. Se verá el sábado 20 a las 19 horas.

El Corte Inglés tiene una vinculación especial con ARCO ya que desde hace seis años organiza un programa de Intervenciones artísticas en los escaparates donde autores de renombre crean una serie de obras pensadas y diseñadas para ser expuestas en los escaparates de El Corte Inglés durante el tiempo que dura la Feria. El objetivo es acercar el arte contemporáneo a la calle y fomentar la divulgación de las artes plásticas. Diana Larrea es la artista que este año mostrará su trabajo Colmena urbana en el escaparate del centro de la calle Preciados entre el 17 y el 21 de febrero. Diana Larrea (Madrid, 1972) es una artista visual española que en sus trabajos utiliza varias disciplinas plásticas, como la instalación, el vídeo, la fotografía o el dibujo. Es conocida, sobre todo, por las intervenciones y performances que ha realizado en espacios públicos. Con sus propuestas de arte público, la artista siempre ha dirigido su interés hacia la mirada del ciudadano común, para provocar leves interrupciones en nuestra vida cotidiana. Colmena urbana plantea una reflexión sobre la ciudad contemporánea a través de una visión metafórica de la arquitectura metropolitana y el urbanismo racional. Con este propósito, esta obra utiliza la imagen simbólica del panal de abejas, con su patrón repetitivo de formas geométricas perfectamente regulares, y la equipara con el modo en que se ordenan los edificios de apartamentos y bloques compactos de oficinas concentrados en la gran ciudad. La obra está construida con tubos de leds de color amarillo, conformando cientos de celdillas hexagonales sobre un fondo pintado de negro. El propósito de esta representación es que se entienda como una metáfora del estilo de vida de nuestra sociedad actual, es decir, algo desnaturalizado y mediatizado por impulsos colectivos gregarios.

Mesa redonda para el debate


El Corte Inglés ha organizado también una mesa redonda a la que se ha invitado a las mujeres que han creado una obra para ser exhibida en los escaparates en años anteriores, a debatir sobre ello. Soledad Sevilla, Diana Larrea, Eva Lootz y Alicia Martín, junto a Pilar Citoler, Ramón Pernas y Alfonso de la Torre, hablarán sobre su experiencia en las intervenciones artísticas en escaparates y la idea de acercar el arte contemporáneo a la calle el martes 23 de febrero a las 20 horas en El Corte Inglés de la calle Preciados.

Oliva Arauna, Fernando Pradilla y Joan Gaspar

Tres galerías de arte, Oliva Arauna, Fernando Padilla y Joan Gaspar, se incorporan a la programación de Ellas Crean con sendas exposiciones de artistas, pensadas y escogidas de forma expresa para este festival. Rosa Brun es la artista que ha elegido la Galería Oliva Arauna, situada en el número 29 de la calle Barquillo. Su obra forma parte de las colecciones más importantes, entre ellas: Museo Reina Sofía, La Caixa, Artium, CAB, Museo Patio Herreriano o el CAM. La obra de Rosa Brun puede verse desde el 21 de enero hasta el 31 marzo.

La Galería Joan Gaspar ha seleccionado a sus artistas haciendo hincapié en la pluralidad de lenguajes, técnicas, soportes y visiones artísticas de algunas de las creadoras de estos dos últimos siglos. Será un diálogo entre las obras de artistas modernas y contemporáneas que permitirá también adquirir una perspectiva histórica del trabajo, la condición y la estética de las mujeres artistas. Obras de Montserrat Gudiol I Corominas, Marion Jacobs, Anna Jonsson, Marie Laurencin, Ruth Morán, Suzanne Roger, Concha Sampol, María Sanmartín, Lluïsa Vidal estarán expuestas en esta galería durante los meses de febrero y marzo en la sede de Madrid, en la calle General Castaños, 9, y en la de Barcelona, en la Plaza Doctor Letamendi, 1. Además, junto a las obras de arte, los visitantes podrán descubrir los vestidos de Amaya Arzuaga, una de las más prestigiosas diseñadoras de moda españolas y las joyas de la joven creadora de Cadaquès Gemma Ridameya.

La Galería Fernando Pradilla se abrió al público en Madrid en el año 2001 con el propósito de promover y difundir el arte iberoamericano contemporáneo. Entre el 25 febrero y el 3 abril, en su sede de la calle Claudio Coello, 10, estarán expuestas obras de Victoria Encinas (España), Lorena Guzmán (Argentina), Mariana Monteagudo (Venezuela), Beth Moysés (Brasil) y Ambra Polidori (México).


Dana Kyndrová y la cotianeidad

Organizada por el Centro Checo de Madrid, llega a “Ellas Crean” la exposición de fotografías de Dana Kyndrová con el título La mujer entre la inspiración y la expiración, verso del poeta checo František Hrubín, el cual ve, entre los primeras y los últimas cuestiones que atañen al hombre “una vida inmensa y hermosa”. La exposición podrá verse desde el 11 al 26 de marzo en la Delegación del Principado de Asturias de Madrid (c/ Santa Cruz de Marcenado 2, esquina San Bernardo)
Kyndrová ha plasmado a través de su objetivo a la mujer contemporánea, su destino, su misterio y su trayectoria desde el nacimiento hasta la muerte. Presenta a la mujer en su variedad, en su solemnidad pero también en su banalidad y su grandeza, e igualmente en su vulgaridad, desde la ansiosa expectativa de la juventud hasta la silenciosa resignación de la vejez. Las fotografías están ordenadas de forma que cuentan una historia: después de Adolescencia sigue Maternidad, Familia, Diversión, Trabajo, Erótica, Fe y Vejez.

Dana Kyndrová es licenciada en Filosofía y Letras por la Universidad Carolina de Praga. Desde 1992 se dedica a la fotografía en blanco y negro, centrándose en momentos aparentemente banales de la vida cotidiana que convierte y eleva a irrepetibles a través de personas desconocidas. Ha realizado alrededor de sesenta exposiciones individuales tanto en Chequia como en el extranjero.

La asociación “Tres en suma” se une a “Ellas Crean”


“Tres en Suma” es una asociación cultural sin ánimo de lucro integrada por siete miembros, artistas, escritores y colaboradores, que trabajan para establecer una nueva manera de acercar y compartir el hecho artístico con el público amante, interesado o curioso del arte. Los y las de Tres en Suma son: Olga Antón, Caridad Fernández, Mariano Gallego Seisdedos, Eva Hiernaux, Carmen Isasi, David Ortega y Alejandro Tarantino.

El espacio expositivo lo componen tres casas-estudios muy cercanos entre sí y situados en el barrio de la Latina de Madrid. Cada dos meses, durante dos fines de semana consecutivos, convierten sus espacios privados en públicos a fin de mostrar obras de artistas que realizan un trabajo de calidad, heterogéneo y contemporáneo que se muestra liberado de las presiones ejercidas por el mercado del arte. Así, llevan más de dos años realizando numerosas exposiciones individuales y colectivas de pintores, escultores, fotógrafos y videoartistas. Pero, además de espacios expositivos, pretenden que éstos sean un lugar para el diálogo y la experiencia con otros lenguajes y manifestaciones artísticas, para lo cual cuentan con la colaboración de poetas y músicos y performers, que dan a conocer su trabajo a lo largo de las sucesivas convocatorias.

La casa-estudio de Olga Antón (c/ Juanelo 20, 3º Izda), la de Mariano Gallego Seisdedos (c/ Juanelo 12, 2º Dcha) y la de Carmen Isasi (c/ Toledo 63,3º Izda) abren sus puertas los días 19, 21 y 26, 28 de febrero, 5,7, 12,14 y 19, 21 de marzo, los viernes de 20.30 a 22.30 horas y los domingos de 13.00 a 15.00 horas. En ellas se mostrará la exposición colectiva de Olga Antón, Laura Cabrera, Rosa Galicia, Gabriela Galindo, Mariano Gallego Seisdedos, Eva Hiernaux, Carmen Isasi, Luz L. Bermejo, Jana Leo, David Ortega y Laura Torrado.

Tendrán lugar las siguientes actuaciones: Ebba Rohweder, compositora y videoartista el domingo 21 de febrero a las 14 horas en el espacio de Mariano G. Seisdedos; Ada Salas, poeta, domingo 28 de febrero a las 14 horas en el espacio de Carmen Isasi; Isla Correyero, poeta el domingo 7 de marzo a las 14 horas en el espacio de Olga Antón; Isabel Corullón, artista performer el domingo 14 de marzo a las 14 horas en el espacio de Mariano G. Seisdedos y Silvia San Miguel, compositora y pianista, el domingo 21 de marzo a las 14 horas en el espacio de Carmen Isasi.

Angelina Lamelas publica "Cuentos de la vida casi entera"

Cuentos de la vida casi entera
Angelina Lamelas
Prólogo de Medardo Fraile
Editorial Palabra. Colección Relatos
Madrid, 2010 (pags 288) 16 Euros




Julia Sáez-Angulo

Medio centenar de cuentos constituyen el libro “Cuentos de la vida casi entera” de la escritora Angelina Lamelas, publicado por la madrileña editorial Palabra. La autora ha dado forma de relato literario a distintos avatares de su vida, de ahí el título comprensivo del volumen.

Angelina Lamelas (Santander, 1935) tiene en su haber una vida de nueve hermanos, unos padres que se quisieron siempre, una casa donde chillaban las gaviotas y se olía a mar cantábrico, con sonido de campanas al fondo. De ese magma de la infancia, patria decisiva de los escritores, ha sacado ella buena parte de sus argumentos escritos con brillantez y donosura, en los que se encuentra alegría de vivir. Unos cuentos en su mayoría dedicados a distintos personajes de su familia y amigos.

La autora es también escritora de libros infantiles como “Un secreto en alta mar”, “Dika mete la pata”, “Dika en Nueva York” o “Tato, el fantasma que perdió su sábana”.

El también escritor de cuentos y maestro de narrativa breve, Medardo Fraile (Madrid, 1925) -que publicó recientemente sus memorias en Pre-Textos bajo el título de "El cuento de siempre acabar"- dice en el prólogo titulado “Sí son cuentos”: “En la narración de relatos –que pueden narrarse desde el interior o desde los ventanales de los ojos-, hay un cúmulo de dificultades que el autor se impone con el reto, la ascesis y la alegría de ir resolviéndolas en relativo poco espacio, el espacio que le pide el relato para respirar cómodo y a su aire, no el que el autor quiera darle”.

Para Medardo Fraile “al cuento tiene que oírsele el corazón” y es el caso en los cuentos de Angelina Lamelas “escritos con una belleza deslumbrante al alcance de todos, con humor, soberana gracia, precisión ejemplar, originalidad gozosa, y andan con pasos de pie de ángel”.

Galardonada con los premios de narrativa breve

Una suma casi completa de todos los cuentos escritos por Angelina, muchos de ellos premiados: Hucha de Oro, Clarín, Alfonso Martínez-Mena, UNED… en definitiva los más importantes galardones del género breve.

Uno de los cuentos más singulares es el titulado “Crónica de un embrión”, para todos los niños que nacieron contra viento y marea, según reza la dedicatoria. El Cachorro, El pino, El sombrero en el zaguán, El paraíso deshabitado, El desliz, La colcha rosa, El bañero, El viudo… son algunos de los títulos destacables.

Eric Wilson, éxito de su libro "A prueba de fuego" para salvar matrimonios

"A prueba de fuego". Eric Wilson.
Libros Libres. Madrid, 2010.
280 páginas. PVP: 20 €

L.M.A.


A prueba de fuego (LibrosLibres) ha sido un auténtico fenómeno de ventas en EE UU, permaneciendo más de 17 semanas en la lista de más vendidos de The New York Times. Su original planteamiento y la tensión narrativa de la novela lo han convertido en el «libro revelación», provocando debates en la opinión pública americana sobre la manera que hay que abordar los problemas en la vida de pareja.

El candidato ideal para exprimir a esta obra todo su jugo es alguien con su matrimonio en peligro. Aunque ahí no se detiene su utilidad. Vale asimismo para aquellos que no atisban en su relación un riesgo inmediato, pero ya han detectado alguna señal de aviso. O para quienes gozan de una vida conyugal color de rosa... y quieren estar prevenidos por lo que pueda pasar.
A prueba de fuego va, pues, de parejas en las que algo no funciona. Y son muchas y en aumento. Por eso, la pregunta crucial con la que arranca la trama de esta exitosa novela se la plantea al protagonista su propio padre: «¿Hay alguna parte dentro de ti que quiera salvar tu matrimonio?».

Tienes por delante 40 días... Y es que el corazón de Caleb, el protagonista de la misma, está a punto de tirar la toalla. Es bombero, un auténtico héroe local, y está casado con Catherine, la atractiva y eficaz relaciones públicas del hospital del condado. La realidad es que ni uno ni otro sienten ya lo que les unió en un principio. Sin embargo, donde falla el sentimiento aún se mantiene en pie la voluntad, al menos en la medida suficiente para que Caleb acepte jugárselo todo a una última carta para reconquistar a su mujer.


En cuarenta días. Que en eso consiste la «prueba de fuego» cuya lectura ha seducido a millones de norteamericanos. Pese a su origen evangelista, personalidades católicas como el arzobispo de Louisville, Joseph E. Kurtz, o el Caballero Supremo de los Caballeros de Colón, Carl Anderson, no han dudado en elogiar A prueba de fuego.

«A prueba de fuego» (LibrosLibres) tiene un mensaje a contracorriente: «No te dejes guiar por tu corazón. Guíalo tú a él».

ARCO-Madrid concede los premios al Coleccionismo

L.M.A

Por décimo tercer año consecutivo la Asociación Amigos de ARCO otorgará los Premios ARCO al Coleccionismo. El acto de entrega tendrá lugar hoy a las 21h. en el marco de la cena-cóctel inaugural de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ofrecida por la Comunidad y el Ayuntamiento de Madrid, que tendrá lugar en el Centro de Convenciones Norte (Sala N101) de la Feria de Madrid. En esta nueva edición, han sido seleccionadas las colecciones de Carmen Buqueras de Riera y de Emilio Pi y Helena Fernandino, que comparten la categoría de premio al coleccionismo nacional y The J. Paul Getty Trust, galardonado con el premio al coleccionismo internacional.

La Asociación Amigos de ARCO pretende premiar y estimular de esta manera la labor tanto de colecciones nacionales como internacionales, cuyo fomento ha sido una de las principales aspiraciones de la asociación desde su creación en 1987. La Feria se ha constituido también en sus 29 años de existencia como un espacio real de activación del coleccionismo y ha impulsado siempre la puesta en público de las colecciones privadas como medio de fortalecer el mercado del arte español y reactivar su circulación, apoyando a la vez la creación artística contemporánea. ARCOmadrid trabaja en conjunto con las instituciones para ampliar el patrimonio artístico, otro de los caballos de batalla desde sus inicios.

En ese trabajo, la Asociación Amigos de ARCOmadrid, que preside José Luis Álvarez Margaride y que integran de forma altruista “defensores” del arte, ha desempeñado un papel fundamental apoyando y fomentando los programas educativos, así como la investigación y divulgación de la creación contemporánea. Entre otras actividades, la asociación apoya el Foro Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo que tiene lugar en el marco de la feria y los ciclos de Apreciación del Arte Contemporáneo en el Círculo de Bellas Artes. Otras labores de la asociación son el fomento de la fotografía, con la colección de Recorridos Fotográficos y los Premios ARCO al Coleccionismo que se materializan en una escultura en forma de “A” y que reciben los galardonados, desde hace trece años, durante la cena de inauguración de la Feria.

En las doce ediciones anteriores han recibido este galardón las colecciones de la Fundación Rosón Arte Contemporáneo (RAC), Pilar Citoler- Circa XX, la Fundación Coca-Cola, la Fundación Juan March, la Fundación Central Hispano, la Fundación Testimoni de La Caixa, la Colección Fundacíón M.E.R, la Fundació Fotocolectania, Fernando Meana, Fundación Telefónica, la Fundación La Caixa, del Chase Manhattan Bank, la Colección de Arte Contemporáneo, Grupo Urvasco y Colección Bergé, todas ellas dentro del ámbito nacional.

En la categoría internacional han sido distinguidos hasta el momento la colección de Lekha & Anupam Poddar de la India, la Colección Jumex de México, la Colección Gulbenkian, la Colección Caisse de Depôts et Consignatións de París, la Colección Dakis Joamou, la Sammlung Essl de Viena, Leeum SAMSUNG MUSEUM OF ART de Corea e INHOTIM Centro de arte contemporânea, de Brasil.

J. Paul Getty Trust, Premio al Coleccionismo Internacional

El Premio al Coleccionismo Internacional irá destinado este año a la institución fundada por uno de los mecenas más importantes del arte contemporáneo internacional el J. Paul Getty Trust, una institución filantrópica con sede en Los Ángeles que apoya todas las formas de artes visuales. Ampliamente reconocida en todo el mundo por su intensa labor cultural, esta institución recibe el galardón de la Asociación Amigos de ARCO por su compromiso con el arte contemporáneo, plasmado en una fuerte labor de investigación y en proyectos de futuro como “Pacific Standard Time, Art in L.A. 1945-1980”, que conectará a 40 instituciones culturales del Sur de California para presentar una retrospectiva del arte de postguerra en la región a lo largo de diversas exposiciones, programas y actividades.

En esta línea The Getty también ha colaborado en la organización del ciclo “Videoarte en Los Ángeles”, que forma parte del programa paralelo de exposiciones de ARCOmadrid_ 2010 y que podrá verse en el Museo Nacional Reina Sofía durante el mes de febrero. Este ciclo, agrupa 24 piezas de la colección del Getty Research Institute, de artistas pertenecientes a la generación que renovó el videoarte producido en Los Ángeles como Paul McCarthy, Bill Viola, Suzanne Lacy y Chris Burden, entre otros.

El germen de esta institución fue creado por Jean Paul Getty (EE.UU. 1892-1976) que en 1954 fundó un pequeño museo en Malibú dedicado a antigüedades griegas y romanas, así como a mobiliario francés del siglo XVIII y pintura europea. Cuando la mayor parte del patrimonio de J. Paul Getty fue transferido al Trust en 1982, los fideicomisarios quisieron ampliar su contribución a las artes visuales ampliando el museo, así como incluyendo una gama más amplia de programas. Así, fueron creados The Getty Conservation Institute, The Getty Research Institute y el programa de becas que más adelante se convertiría en The Getty Foundation.

Hoy por hoy, la colección también incluye un extenso fondo de fotográfico con obras que incluyen desde vintage y fotografía de vanguardia de Man Ray, hasta grandes nombres de la fotografía americana contemporánea como, Richard Miller, William Eggleston, Jim Dow, William G. Larson o una espléndida colección de retratos de la farándula estadounidense realizados por Andy Warhol. Además, The Getty impulsa exposiciones temporales para promocionar el arte contemporáneo y ha organizado recientemente muestras como “California Video”, “Ten Years in Focus: The Artist and the Camera” (Diez años en el foco: el artista y la cámara), la proyección de la videoinstalación “Please Be Seated” de Nicole Cohen o, actualmente, la muestra “Urban Panoramas”, con obras de los fotógrafos Catherine Opie, Jeff Chien-Hsing Liao y Soo Kim.

Las dos sedes de esta institución, The Getty Center en Los Ángeles y The Getty Villa en Malibu reciben cada año cerca de 1,8 millones de visitantes. Con un compromiso firme con el patrimonio cultural y artístico, The Getty trabaja a través de sus distintos progamas para ampliar el conocimiento, desarrollar la creatividad y el disfrute del arte como elementos esenciales para la consolidación de una sociedad civil concienciada y dinámica.

Colección Carmen Buqueras de Riera, Premio al Coleccionismo Nacional
El reconocimiento al coleccionismo nacional irá destinado este año a la colección de Carmen Buqueras de Riera, viuda del galerista y filántropo catalán Salvador Riera. Malagueña afincada en Londres desde el fallecimiento de su esposo en 1994, inició en ese momento su colección particular. Actualmente forma parte del patronato de la Fundación Godia, de Barcelona, y forma parte del Comité Latinoamericano de Adquisiciones de Tate Modern, de Londres, así como es miembro del consejo editorial de Art Gallery Guide Madrid.

Carmen Buqueras comenzó esa pasión por el arte con su marido Salvador Riera cuya colección fue adquirida por la Generalitat de Catalunya para ser el núcleo germinal del MACBA. Al iniciar su propia colección, tal y como explica el comisario Fernando Francés, “lo hizo con la carga de la experiencia pero sin el compromiso del pasado, y de esa conjunción surgió una de las miradas más especiales” del coleccionismo español.

Entre los fondos de su extensa colección de arte contemporáneo se encuentran creaciones de artistas de gran renombre como Andy Warhol, Cristina Iglesias, Olafur Eliasson, Anish Kapoor, Juan Uslé, Jenny Holzer, Ugo Rondinone, Juan Muñoz, Basquiat, Gary Hume, José María Cano, Cerith Wyn Evans o Louise Bourgeois.

En abril de 2009, Carmen Buqueras firmó un acuerdo de cesión gratuita con el Centro de Arte Contemporáneo (CAC) Málaga por un periodo de cinco años, para que 100 obras de su colección particular sean exhibidas en el museo malagueño. En la actualidad el CAC Málaga expone 24 de ellas en una primera selección titulada “Pasión. Colección Carmen Riera” en recuerdo a su marido que le transmitió el amor por el arte contemporáneo.

Colección Pi Fernandino, premio al Coleccionismo Nacional
El tercero de los premios de la Asociación de Amigos de ARCO será concedido a la colección Pi Fernandino, cuyo acervo constituye una de las pocas colecciones privadas centrada en obras en formato audiovisual de las últimas décadas. Fue a partir de la década del 2000 cuando la colección, iniciada diez años antes por Helena Fernandino y Emilio Pi (Pamplona, 1954), comienza a configurarse realmente como colección de videoarte, al superar el número de obras realizadas en este soporte al de pintura y fotografía. Para ellos fue igualmente fundamental, el hecho de descubrir en esta forma de expresión artística muchos referentes a su experiencia e identidad y anticipar su capacidad de divulgación, apostando por los formatos digitales como transmisores que darán a conocer de forma masiva el hecho artístico.

Con algunos ejemplos de piezas de los inicios del videoarte en los años 60, el grueso de sus fondos está constituido por vídeos de los años 90 y 2000, con obras de la segunda y, sobre todo tercera generación de artistas que trabajan la técnica audiovisual. Así, la colección de videoarte está integrada por 90 piezas entre instalaciones, proyecciones y monocanal y un archivo de más de 200 obras en edición limitada y copia de artista. Entre los artistas internacionales destacan obras de Marina Abramović, Carlos Amorales, Vanessa Beecroft, Willie Doherty, Tracy Emin, Douglas Gordon, Cao Guimaraes, Tony Ousler, Fiona Tan, Laurence Weiner y Yang Fudong y entre los españoles nombres como Toni Abad, Manu Arregui, Jon Miquel Euba, Muntadas, Sergio Prego o Fernando Sánchez Castillo. Algunas obras de la colección han sido recientemente exhibidas en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Acciones y Situaciones, Madrid, diciembre 2008) y en el Centro de Arte Dos de Mayo (Gustos, colecciones y cintas de video, Madrid, noviembre 2008)

Helena Fernandino y Emilio Pi son referentes en un momento en el que coleccionar vídeo sigue siendo algo minoritario, pese a que vivimos en una cultura completamente audiovisual. Una apuesta valiente y decidida por el arte de nuestro tiempo y por la incorporación de las nuevas tecnologías a la plástica contemporánea.