sábado, 21 de octubre de 2017

MATILDE ALONSO EXPONE SU PINTURA EN LA GALERÍA ORFILA


 DEL 26 DE OCTUBRE AL 18 DE NOVIEMBRE


Matilde Alonso Salvador, pintura

L.M.A.

21.10.17 .- MADRID .- Matilde Alonso Salvador presenta una exposición, en cierto modo antológica, de las obras que ha realizado en los últimos siete años. Pinturas acrílicas y técnicas mixtas, preferentemente sobre tabla, son la sustentación de una dicción de raíz expresionista en la que lo mediterráneo y su cultura, aliados esos componentes con un magicismo en algunos momentos narrativo y con más frecuencia introspectivo e intimista -figuras femeninas que vindican una subjetividad a la vez sensual y reflexiva -, definen una actitud plástica en la que la contraposición figuración-abstracción ha dejado de existir.

Arquitecto y urbanista, Matilde Alonso Salvador se formó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Valencia, ciudad en la que reside y en la que realizó sus primeras exposiciones individuales (Colegio de Arquitectos, galerías La Nave 10 y del Palau). Profesora Titular de esta Universidad, ha impartido cursos de formación y es autora de varios proyectos y publicaciones sobre urbanismo sostenible en España y otros países.

Inaugurará su exposición el jueves, 26 de octubre, a las 19,30 horas.

GALERÍA DE ARTE ORFILA, 
CALLE ORFILA, 3. 28010 MADRID
                                            

Juan Díaz: La acuarela como técnica sublime de la pintura



Juan Díaz


 "Lugar de encuentros". Juan Díaz



Julia Sáez-Angulo

            21/10/17 .- MADRID .- A Juan Díaz no le gusta que le llamen acuarelista, sino pintor, como al que pinta óleo o acrílico. Para  él, la acuarela es el culmen sublime de la pintura y en un proceso progresivo de depuración, él ha llegado a la esencia de su arte que bordea la abstracción y la pureza.

            En el jardín de su estudio, en el barrio madrileño de la Guindalera madrileña, sorprendo al artista acariciando unas esculturas de hierro. “Son algunas de las obras que quiero presentar, quizás en la próxima exposición. Son objetos encontrados que he seleccionado con la mirada, manipulo  y restituyo en una presentación diferente”.

            El artista de hoy es pluridisciplinar y Juan Díaz Rubio (El Real de San Vicente, Toledo, 1953) se encuadra en ello, si bien su entrega e investigación se centran sobre todo en la acuarela, en la que ha logrado cotas de amplitud, belleza y síntesis inigualables, hasta figurar en la primera fila del género.

            Su última exposición tuvo lugar en  2016 en la galería Kreisler de Madrid, bajo el título de “Momentos íntimos”. Juan Díaz es el artista decano de la citada galería, decana en Madrid. “Al otro lado de la luz” fue el título de otra espléndida muestra que presentó en La Rioja, en el espacio expositivo de Pedro Torres, un marchante de arte que se ha jubilado recientemente, tras una trayectoria fecunda en el circuito artístico.

            El paisaje, que siempre bordea la abstracción, es el género preferido por el autor para una ejecución abierta, insinuante y sutil de forma y color.  La depuración de la forma es una de las obsesiones del pintor Juan Díaz, que pronto va a retirarse a su casa de Oyambre (Cantabria) para, desde allí, abordar las playas y el mar, además de los cercanos Picos de Europa y plasmarlos en sus acuarelas.

            Desde su casa de Cantabria contempla la playa, diferente cada día como si quisiera con ello invitarle a pintar una nueva acuarela. También ve el pico del Naranco de Bulnes, el gran atractivo de los Picos de Europa.

            Comillas es el lugar de una de sus exposiciones próximas en verano, sitio en el que cuenta con buen número de seguidores y coleccionistas que se embelesan con sus cuadros, en los que recrea los paisajes marítimos y montañosos de los alrededores.

            Especiales son las Estelas del pintor, cuando introduce la acuarela en altos cilindros transparentes con bases aparentes de nieve, playa y tierra. No siempre es el formato cuadrado. Los dípticos, incluso con bisagras forman también parte de la presentación de las acuarelas. Al igual que los cuadernos, como los de Castilla, de una gran belleza plástica.

            Otro de los empeños del pintor es la permanencia de la obra de arte a lo largo del tiempo: “los materiales tienen que ser impecables: papeles sin un átomo de acidez, resistentes y no contaminados ni siquiera por un passe-par tout inconveniente que le influya. Su empeño en un papel deseado llega al punto de buscar en Fuenterrabía a un buen artesano que le consigue el tomo ocre de un papel ruso que adquirió, que le llevó de modelo por su textura y virutas, pero necesitaba restarle su acidez para que perdurase en el tiempo. El artesano lo logró.

            “Todo este empeño me lo transmitió el pintor Requena, a quien admiré mucho y que exponía también en Kreisler”, explica el autor.

Venezia, Estambul. Patagonia, La Rioja…




            Algo singular le ocurrió también con un papel mexicano grueso, hecho a mano, de raíces, con una textura fascinante. Se lo enseñó al pintor Enrique Brikmann y este tomó un pedazo e hizo un dibujo original interactuando con los montículos y hendiduras de aquel papel. El dibujo está ahora enmarcado en el despacho del acuarelista, no lejos de otro dibujo del artista cubano Fabelo, que también estuvo en su estudio.

            Con ese papel ocre hizo una serie sobre Venezia, que fascinó a coleccionistas y visitantes. Los callejones de la ciudad de los canales cobraba en aquel soporte una magia especia, casi real por el color de sus muros. Venecia es la fuente de vedutae por excelencia; Juan Díaz no escapó a ella, como Claude de Loraine, como Canaletto…

            Estambul fue otra ciudad que también le inspiró una fértil saga de acuarelas. “Es una ciudad magnífica”, dice.

            Juan Díaz viajó en dos ocasiones a la Argentina y visitó la Patagonia y Tierra de Fuego, paisajes que plasmó en una singular serie denominada Ruta 40. “Fue gozoso representar las nubes tal y como se pueden contemplar en aquellas latitudes. Al pintor, más que “sin título”, le gusta llar “lugar de encuentro” a sus paisajes; realmente el espectador se une al autor en la obra de arte.

            La Rioja, sobre todo la sierra de la Demanda en San Millán de la Cogolla, con sus monasterios de Suso y Yuso, ha sido también una geografía recreada en su obra y disfrutada en los paseos. “Necesito pensar, concentrarme, reflexionar y es así como finalmente sé lo que quiero pintar y como hacerlo”, explica el pintor.

            “La acuarela es por encima de todo transparencia y por ello desecho lo colores terrosos de algunas marcas o la abundancia de pigmento para los oscuros, como hacen algunos. Incluso en los nocturnos deben percibirse las transparencias”, añade el artista. “Últimamente, más que dibujar, me interesa crear atmósferas y logras la esencia de lo que he mirado y quiero representar. Si sigo así, creo que llegaré a la abstracción total”.

            “El arte es un modo de comunicación, que invita y enseña a mirar”, concluye Juan Diaz, un artista que ejerció la docencia en sus inicios en la madrileña academia Faenza, donde enseñaba a los alumnos grasas, a conseguir los óxidos silicatados en grandes formatos.
           

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viernes, 20 de octubre de 2017

Javier Ortas, Luis Javier Gayá, Manuel Gracia y Vicente Heca en la Sala Baluarte de Tres Cantos



Concejala de Cultura junto a los pintores



ALCALDE DE TRES CANTOS y pintores



Carmen Valero
Fotos J.S.A.


            20/10/17 .- MADRID .- Los pintores Javier Ortas, Luis Javier Gayá, Manuel Gracia y Vicente Heca exponen en la Sala Baluarte de Tres Cantos (Madrid), con motivo del premio obtenido en el 83 Salón de Otoño, premio que lleva el nombre de la citada sala y que son los primeros en ese espacio. La muestra permanecerá abierta hasta el 2º de diciembre de 2017.

            El acto de inauguración contó con la presencia del alcalde de Tres Cantos, la concejala de Cultura y el presidente de la Asociación Española de Pintores y Escultores. Acudieron numerosos artistas como María Luisa Valero, Cecilia de Lassaletta, Manuel Gracia senior, Javier Aguayo, Jorge Pedraza, Paulino Tardón, Ana Martínez…

            Vicente Heca presentaba su obra de un realismo bello y perfeccionista de distintas etapas, en las que destacaba su modulación formal de rayas, presencia de canicas, en cuadros como “Franjas y canicas”, “Carta al futuro”…

            Javier Gayá mostraba sus espléndidos cuadros sobre Roma en los cuadros “Arco Septimio Severo” o “S.P.Q.R.” (162 x 195 cm) y además el cuadro “Meditaciones y alegorías del agua”.

            Manuel Gracia ha trabajado el color en sus cuadros de oleo y metacrilato, donde mezcla y funde el informalismo con la geometría. Su serie “Logos” resulta coherente.

            Javier Horta ofrece una pintura figurativa a base de un lenguaje o caligrafía de rayas, que resulta especialmente decorativa y alegre.

            Llama la atención que ni una sola mujer esté incluida en este premio, cuando hoy las mujeres constituyen más del 50 por ciento el alumnado de Bellas Artes.

            El presidente de AEPE dijo que en la asociación nunca hubo premios en metálico, algo que no es así salvo en los primeros años, pues los patrocinios de Caja Madrid, El Corte Inglés y otras empresas o entidades colaboradoras, eran una realidad económica en la asociación de pintores y escultores, algo que ha desaparecido en los últimos años.




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Juan Gerstl: La "geometría poética", módulo esencial de su arte



 Juan Gerstl, artista cinético






           Julia Sáez-Angulo
http://www.juangerstl.com/


            20.10.17 .- MADRID .- El artista se siente orgulloso y heredero directo de la gran tradición geométrico/cinética de su país: la escuela venezolana de Alejandro Otero, Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz Díez. Una escuela que nació para quedarse y germinar en nuevos artistas. Juan Gerstl ha crecido con las retinas en ella. La presencia del arte cinético se encuentra en buena parte de los edificios públicos de la nación y ha alimentado su mirada y su deseo cuando era niño. Residente en Madrid desde 2014, explaya todo su conocimiento artístico y experiencia estética en una obra que, sin solución de continuidad, añade un rico eslabón a esa noble tradición artística venezolana, con sus propias señas de identidad.

            No olvidemos el aserto del escritor y gran crítico de arte Don Eugenio D´Ors: lo que no es tradición, es plagio.

            Fotógrafo y diseñador gráfico, graduado en Comunicación Visual, como punto de partida, Juan Gerstl (Caracas, 1985) recondujo con naturalidad su vocación hacia las artes visuales en las que se halla inmerso con profesionalidad y pasión, con una actividad desbordante, que sorprende en los medios del circuito artístico. No tiene miedo a la gran escala –lleva a cabo murales de 4 x 4 metros-, si bien no desdeña la mediana y pequeña escala, en las que sabe condensar la esencia de su llamada “poesía geométrica”.

            El xagon es su módulo exagonal punto de partida y en él, acoge el color lleno de matices para lograr el movimiento buscado, juega, actúa e interactúa con la creatividad de un mago para sus distintas series y composiciones visuales, que se despliegan en la bidimensionalidad, en el relieve o en la tercera dimensión. Sus planos se pliegan con frecuencia y sus cálculos matemáticos le llevan a una precisión controlada.

            Más que el purismo geométrico o el cinetismo académico de reglas fijas y rigurosas del pasado reciente, a Juan Gerstl le mueve la fusión de aquellos con nuevas ideas y renovado dinamismo. Le gusta manipular el color hasta plasmar en él los reflejos del agua, las oscilaciones del fuego, la sutileza del aire o la densidad de la tierra, los matices del vino... Todo ello con libertad formal y ajustes cromáticos, sin perder la esencia de su arte geométrico/cinético, que hace ciertos guiños a Julio Le Parc o al arte Madi. América Latina, principalmente con Venezuela, Argentina y Brasil, ha dado grandes nombres al arte concreto/constructivistas en el XX.





Nuevos materiales resistentes

            Hasta ahora al artista no le interesó la pintura, a la que respeta, porque le atraen los nuevos materiales con su espléndida presencia y resistencia a lo largo del tiempo, en el interior y exterior de los muros. El aluminio, espejos y metracrilatos… de hoy, entre otros, le confieren un soporte plano y tenso, en el que puede reflejar sus ideas impolutas, traducidas en polígonos, líneas solas, paralelas o superpuestas para generar la interacción del color. Un cromatismo impecable para definir la esencia de su arte. Una experimentación constante, que le produce gozo creativo; la sutileza de mover una línea o cambiar un ángulo hasta lograr la precisión concebida.

            Artista generoso y entregado, casi con vocación sacerdotal a su trabajo artístico, Juan Gerstl estudia, indaga, investiga en su campo visual para obtener nuevas y diferentes cotas de libertad y de belleza en su obra, efectos sorprendentes, en una constante búsqueda de la esencia artística, en la que el movimiento y las sensaciones se aúnan con dominio y sabiduría. El color, con sus múltiples referencias, es su más fiel aliado para lograr el objetivo visual. Las matemáticas, su herramienta infalible. Se siente como pez en el agua haciendo una arte que considera joven, alegre y de nuestro tiempo.

            El autor venezolano trabaja con periodicidad a través de encargos de  coleccionistas que sienten la nostalgia del océano, de la selva amazónica o de la montaña del Aguila en Caracas… y el artista lo plasma en obras que evocan su color, sus vibraciones o sensaciones, sus luces y sombras, en materiales que avanzan y resisten más allá del tiempo siempre escultor, al decir de Marguerite Yourcenar. Gerstl apresa el concepto y con su xagon, como caligrafía personal de su alfabeto plástico, logra realizar el concepto deseado de manera esencial, visual… Obras que parecen suspenderse en el aire, que avanzan o retroceden en ritmos modulares sorprendentes, azarosos o buscados.

            Juan Gesterl y el pintor Pedro Sandoval presentan actualmente en Madrid, en pleno corazón del barrio de las Letras, su Manifiesto Penta. Un espacio para una fuente de proyectos artísticos sucesivos propios y ajenos. Una experiencia cultural que se pone en marcha y de la que, con entusiasmo, esperan buenos objetivos para artistas y coleccionistas.

Julia Sáez-Angulo
De la Asociación Internacional
de Críticos de Arte, AICA/Spain



           
Más información
http://www.juangerstl.com/

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